「沒有長大」意謂著什麼？並不是不成熟，反而是承認自己還有好奇心，認知到這個世界對自己而言，仍有許許多多的未可知。在這樣帶有未知的日子裡，世暄的《普通生活》EP給出了自己的解讀：生命向來沒有一個固定的「標準答案」，最重要的是「知道」。在漫長的人生裡，步步不疾不徐在尚未曉明的路途裡，或往前、或回望，發現過往的「遺憾、美好、早知道」；也從曾經困住自己的泥淖裡慢慢起身，跨過山頭、打開一扇讓清新與陽光進來的窗；更在生活反覆重演的基礎習慣、瑣事裡認知到有什麼「不一樣」，對你的狀態和思考帶來了什麼改變，又引發了什麼提問、能發展出怎麼樣的前途。

在普通的日子裡好好感受、好好生活，在每一次向前與思考裡切出不同的自我，不讓本身的存在變得單一而平整。攤開長河手記，看見相異的樣貌、覺知本體，找到自己能安心待著的角落，再繼續緩步向前。

推薦收聽情境：下雨天，戴著耳機或音響外放，開著冷氣的被窩裡抱著娃娃，徜徉在《普通生活》的音符裡！

（文：筑茵）

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　　達謙表示，雖然台灣每年舉辦的音樂祭這麼多，但其中具備商業邏輯、由民眾買票支持的「付費型」僅佔整體二至三成。許多由政府支持、以「人潮流量」為核心追求的免費活動大量誕生。這些活動多半源於疫情過後，地方為了刺激觀光而推出的標案。相較於日本等國普遍具備「看音樂祭必須付費」的觀念，台灣大量且容易取得的免費資源，雖讓展演市場看似熱絡，實則成為一把雙面刃。 這不僅壓抑了付費市場的定價空間，免費資源氾濫也悄悄改變了聽眾的消費習慣，市場逐漸走向「誰紅聽誰、大者恆大」的局面。這導致新生代小樂團更不敢挺身舉辦售票專場，也連帶讓本應作為產業練功基石的 Live House 等小型展演空間，因營運困難而相繼倒閉。當原先賴以磨練基本功的小型場館不斷流失，樂團只能被迫直接前往音樂祭戰場上尋求流量時，這也為接下來的音樂人職涯拋出了一道難題。  

　　而這也引發了一個「雞生蛋、蛋生雞」的產業焦慮：新生代音樂人究竟該先在小型展演累積基本功，還是依靠音樂祭的流量取勝後再磨練？「音樂節本質上是一種集體創作，但這一切的大前提，是音樂人得先有屬於自己的創作思想。」蕭達謙點出，在串流時代，大眾可能聽過你的歌，卻不一定願意買票看你的專場。當音樂人習慣了音樂祭自帶的「流量」，卻缺乏獨立統籌的經驗時，極可能會喪失策劃自身專場的能力與膽量。與此同時，過度追求卡司與人流，似乎也讓免費與付費音樂祭之間演變成一場「軍備競賽」。當策展單位為了做出特色而陷入尋找國外卡司的焦慮時，我們或許都該停下來思考那句最根本的靈魂拷問：「當一切只是為了數字，我們到底為何而辦音樂祭？」 

　　面對產業的焦慮，我們或許能從「在地連結」與「軟性外交」中找到音樂祭破局的解藥。蕭達謙強調，一場具有靈魂的音樂祭，絕不是付了場地費就拍拍屁股走人的過客。當高達七成的外地觀眾湧入，策展方必須成為「引路人」，透過巧妙融合地方符號，慢慢消融「外地」與「在地」的界線。當一場活動能喚醒在地年輕人的「驕傲感」，讓他們主動推薦家鄉小吃、甚至進一步培植出在地的策展人才時，文化與觀光才真正達到共榮。此外，音樂祭更是台灣對外展現「軟實力」的絕佳舞台。外國樂團來台的城市行銷，往往不靠重金宣傳，而是藏在指定要吃的美食裡；他們在社群上的打卡，成為了最自然且意想不到的國際曝光與鄉土連結。台灣最美的風景是人，這種在乎人與土地關係的底蘊，或許正是我們繼續辦音樂祭最浪漫的理由。 

　　「做音樂祭可能要 500% 的熱情，你才有辦法做下去。」音樂祭向來不僅僅是一個週末的狂歡，它是策展人、音樂人、在地居民與聽眾共同完成的一場「集體創作」。你是否準備好戴上耳機，一起尋找屬於台灣的文化輪廓？ 

（文：筑茵）

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推倒港區貨運的鐵籬，陪伴彼此長大的駁二與大港

　　現在向高雄人問起假日該去哪裡玩時，十有八九都會回答位於亞灣一帶的駁二藝術特區。週末市集、藝文表演已是熱鬧日常，而在大港開唱時，超過十萬人的湧入人次更是人山人海。但若將時光膠卷倒回二十年前，在輕軌與高雄流行音樂中心都尚未現身的年代，這裡就只是一片有著大路、空地，乏人問津的舊倉庫群。

　　在文史工作者陳坤毅的記憶裡，早期的駁二與哈瑪星是極度繁忙的港埠與鐵道貨運地帶，且產權相對複雜，對一般民眾而言是陌生而封閉的禁區。隨著貨運轉移，碼頭逐漸閒置老化，杳無人煙，直到千禧年的煙火施放，市府才以實驗心態，逐步發展這裡的藝文可能。然而就在2006年，有一群曾在台北舉辦傳奇音樂祭「野台開唱」的音樂人抵達駁二，面對這片如同高雄人豪爽性格的場地，他們硬是決定要在這開辦首屆只賣八百張票的音樂活動：大港開唱。

　　如今，這一帶除了有高雄流行音樂中心、哈瑪星鐵道文化園區，更在大港開唱的造橋鋪路啟發下建立了旋轉的「大港橋」，串連駁二藝術特區與高雄港棧庫群。第一屆大港開唱前來擺攤的攤商，因為潤餅賣不完而委屈抱怨時，或許沒想過20年後的萬人光景：透過硬體空間活化搭配大港開唱強大的軟性力量相互滋養，陪伴彼此長大，能讓原本封閉的空間搖身一變，成為青年與居民爭相前往的熱門場域。

鹽埕市場到超商門口，每寸土地都成為了魔幻宇宙

　　至於提到大港開唱的舞台，絕對可以用「魔幻」二字形容：「女神龍」沒了苦海，而是從台灣的謝金燕到國際的AiNA THE END，使人瘋狂的「大港女神」降臨；「南霸天」十足霸氣，各種想像不到的組合從血肉果汁機ft.陳亞蘭，再到怕胖團ft.陽帆的同台飆樂。不只如此，「藍寶石」從大歌廳成為實驗場，大象體操國際巡演的紀錄片座無虛席；免費舞台有「大樹下」做著「青春夢」渴望「出頭天」的音樂人，也有九十歲阿嬤隨著DJ節奏自在地舞動；場景一轉，三歲小孩跟著已成為爸媽的聽團仔，一起跟著巧虎追趕跑跳碰。

　　至於20年來首次啟航的「前夜祭」，更是將舞台交給在地居民，圓了青春少年做過的舞台夢：在鹽埕公有市場，熱愛音樂的西服店老闆，微抖著手唱著〈小丑〉；鹽埕國小旁的媽媽歌舞團，則伴隨著大港船鳴聲，開心自在跳著舞。而我們訪問到的海豚刑警主唱伍悅，更透露一個隱藏秘密：演出後，樂手們會聚集在便利商店前，自動搭起「OK舞台」，與樂迷同樂同歡，此刻沒有你我，只有一群熱愛音樂的大港人。

　　此外，大港的DNA裡，狂奔著的還有對社會的關懷與愛。在這裡拒絕「音樂歸音樂、政治歸政治」的犬儒框架，不只NGO村的倡議與對談，讓上萬群眾能在海風中，自在交換對台灣社會的關懷；許多人隨著各種標語牆或旗幟表態，當個「堂堂正正的台灣人」，成為了最自由的靈魂創作者。一幅沒有邊界的眾生慶典，唯有交換著一顆顆共鳴的真心。

拒絕成為逃避現實的烏托邦，揚起人生風帆向前行

　　這場吸引十萬人朝聖的盛典，並非只是一座讓人「拋棄煩惱、逃避世間」的音樂烏托邦。大港開唱的 Slogan 是「人生的音樂祭」，對許多人來說，這從來就不只是一場為期兩天的嘉年華，而是駛入生活的大船，帶著真正能改變現實的動能。正如總策展人 Doris 所堅信的，大港真正的意義，是讓大家在這裡獲得養分，在曲終人散的那一刻，帶著滿滿的能量回到生活繼續奮戰，那才是人生茁壯的動力。

　　「在去看看世界多美好之前，我們可以先看看腳下的土地多美好。」二十年來，這片蔚藍的海港陪伴著台灣獨立音樂一起成長，無數人的人生從這裡啟航，將百種靈魂揉合進人與人相交織成的脈絡裡，不僅讓高雄這座海港城化身生生不息的有機體，更吸引日本Fuji Rock 與 Summer Sonic 等國際頂尖音樂祭高層，特地跨海來台取經。帶著從音樂與人群中汲取的能量，大港讓人找到對抗現實的勇氣，並深深擁抱這片孕育我們成長的自由環境，也讓全世界乘著海風走進大港，期待著再一次的「大船入港」。

撰文：筑茵
責任編輯：內克

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打破鐵皮圍籬，一場沒有邊界的老城尋寶

　　你是否曾為了一場演出，甘願在火車與公車間「流浪」一個多小時呢？對許多人而言，位於台中海線的清水，並不能說是個大眾運輸方便之地。然而這座看似安靜、充滿距離感的小鎮，骨子裡其實一直流淌著人文底蘊與音樂血液：從獸醫轉成古典唱片行、再到經營此刻「清水散步」藝文場所的文史工作者吳長錕表示，清水早在清領時期便成立了鰲峰書院推廣漢學，日治時期無論推動臺灣民主運動的楊肇嘉、蔡惠如，或是傳奇人物廖添丁，都是清水子弟。若回到音樂，早在二十世紀初，清水就舉辦過古典音樂會。

　　吳長錕老師提醒著我們，清水從來都不是文化沙漠，早在浮現祭前就已經「準備好了」，等著人們看見、發現、探索。而隨著浮現祭壯大所吸引的人潮，如今清水小鎮在活動期間，已湧入超過六萬人來訪：在浮現祭刻意不設美食攤、將舞台延伸至紫雲巖與清水眷村等地，並結合像是嗨風裏協會等在地青年組織規劃尋寶遊戲，讓年輕人真正走入並認識清水，聽見當地的故事，也讓流行文化與過往累積的底蘊產生了最浪漫的共振。

神明也點頭的祭典，冒險精神的徹底實踐

　　舞台上也沒閒著。浮現祭主打的「冒險」精神，除了散落在清水小鎮的用心，從表演節目規劃亦可虧見端倪。策展團隊捨棄了以大眾為目標，將卡司規劃鎖定在青少年眼睛一亮的陣容，讓年輕人願意舟車勞頓抵達清水小鎮。透過街訪，我們發現許多人為了在台灣甚少演出的國外團體，或是與台灣音樂人共演的組合前來聽團，而透過簽名會可以近距離與心儀音樂人聊天、或是在場下隨著樂音衝撞開圈，或是購買「直笛」吹奏音樂祭主題曲成為「迷之表演者」，在浮現祭都是常態且令人興奮的存在。

　　不只是年輕人，浮現祭成為清水人的驕傲其來有自。在清水人百年信仰中心紫雲巖，廟內的祝禱聲與廟外舞台的樂音，非但沒有互相干擾，反而透過如震樂堂這樣的音樂人與策展人的穿針引線，成功出動在地哨角隊與八家將，並請來紫雲巖的觀音佛祖登台觀演，並讓在地義警消參與其中協助，「只要能帶動地方，我們這邊都會答應。」從浮現祭剛舉辦時對交通、噪音等擔憂與困擾，到此刻越改越好的讚頌，紫雲巖副主委紀文來這樣告訴我們，甚至敲碗未來相互助陣的各種可能。當傳統信仰看見了年輕人對土地的敬意，世代間心理的隔閡，便在繚繞的香火與音牆中，悄然融合成直達天聽的樂章。

用祭典消融隔閡，海線小鎮浮現的台灣意象

　　要說浮現祭能與當地共創此番光景，創辦人、清水子弟老諾絕對是關鍵人物。在台北玩音樂玩了一輩子，十多年前當他帶著音樂事業返鄉時，曾面臨鄰居以為他「闖盪失敗、落魄回鄉」的質疑眼光。這份根深蒂固的偏見讓他深刻體悟到，要改變海線小鎮的凋零，不能只靠創造就業機會，更重要的是讓年輕人找回「對家鄉的認同感」。於是，他做了一個大膽的決定：把浮現祭搬回自己的故鄉，讓年輕的靈魂重新踏上這片土地，經過一次次的嘗試、溝通，而有了此刻的光景。

　　本以為是場做給年輕人的活動，卻意外達成了世代對話。老諾回憶，甚至有在地的警察爸爸，驕傲地向女兒炫耀自己參與了山上的維安，更有長輩熱情邀請樂迷兒女的朋友來家裡借宿。從百年大廟的全力相挺，到街巷攤商的溫暖守候，在一次又一次的相遇與理解中，那些曾被視為外地人的樂迷，就這樣順著海風與這座小鎮溫柔地揉合，成為了難以分割的共生者。鰲峰山下的海風依舊吹拂，清水早已經準備好張開雙臂，讓傳統與現代、在地與國際的多元文化，在消融與共生之中，在此完美「浮現」。

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不盲從大城市的快節奏，管樂是「嘉」內專屬的「嘉私」

　　如果嘉義是一間選物店，會有什麼選品？返鄉青年、平凡製作的黃銘彰告訴我們他的選物哲學：嘉義人不追求快節奏的生活步調、也不盲從什麼都要有的百貨公司美感，反而是從日常溫度與常民記憶，萃取出符合嘉義感官美學的「嘉私」：既代表「嘉」義人的「私」心、也是家家戶戶生活的好「嘉私」（取台語「家私」，工具之意）。

　　是的，諧音、雙關、拆字自然地流淌在嘉義人的血液裡，從回「嘉」、來「嘉」，到這次嘉義城市博覽會主題「320+1」的「+1」，還有嘉義市國際管樂節主題曲〈管他什麼音樂〉的「管」與「樂」、〈全家一起飛〉與「全嘉義起飛」，通通都可以看出嘉義人有多愛「嘉」。

　　但若要問是什麼樂器吹響「嘉」的熱情，答案絕對非管樂莫屬。自日本時代嘉義中學的吹奏樂部萌芽以來，管樂在年月世代交替之下，堆疊成了深厚的在地認同，具象在老嘉義人記憶裡，那座曾佇立於中央噴水池的「管樂小雞」上；當與市民聊起管樂節，無論是寫下的新詩徵文、捕捉畫面的攝影比賽，還是在踩街隊伍旁為學弟妹驕傲歡呼的記憶，已成為全體嘉義人最動人的世代共感。

踩在嘉義市街頭，踏出的是跨越階級與國界的「文化調頻」

　　嘉義市國際管樂節不只有室內演出，更是遍及日常角落的熱鬧慶典：特有的踩街嘉年華，一步步踏在嘉義街上，從幼稚園到大學、從校園到軍樂隊再到國際旗隊，「我管樂我驕傲」的氣氛點燃眾人熱血；而再漫步到大型晚會，管樂的跨界能量也展露無遺，音樂、戲劇、傳統樂器與在地歷史傳說，在樂符的穿針引線下激盪出無限的藝術火花；腳步又一轉，邁進舊嘉義監獄宿舍群，遇見來自日本高校的快閃演出；年輕學子們特意吹奏著鄧麗君的金曲，用最熟悉的樂音跨越國界，零距離與嘉義人交朋友。嘉義市國際管樂節既完成了最溫暖的文化外交，也讓觀者在管樂震動聲響中，培養對土地與文化的關懷。

　　這樣熱鬧又多元的可能之所以在嘉義成立，全仰賴長年不間斷的「文化調頻」。正如嘉頌執行總監楊元碩所言，在節慶之外的日常，管樂人們憑藉滿腔熱血，將音樂帶入生活；也正嘉大林士偉老師的觀察，嘉義已形成從小學一路銜接至大學的獨特管樂教育生態，成為這座城市的共同語言。嘉市管回憶創團20週年的表演，團員們穿著百工百業的服裝入場，那震撼的畫面也讓人深刻體會，原來在嘉義無論從事什麼工作，或許都曾與管樂結緣，吹奏著生命的樂章。

曲終人不散，用管樂吹響一座城市的驕傲與溫柔共鳴

　　當音樂成為催化劑，熱鬧的嘉義帶著溫馨畫面：我們曾在舊監宿舍的快閃演出中，目睹一位阿媽行動不便還是努力踮腳看著孩子、聽著鄧麗君；或是如銘彰所言，徜徉嘉義中，無論是家對面的公園，還是夜晚的文創園區，總能聽見居民悠然地吹奏著管樂。透過訪問，我們也發現平日忙於生計的商家卻不為封街而苦惱，只因那是「一年一度」的嘉義重要時刻；當然還有常年耕耘詩歌文化的活泉人文創辦人方婷婷，透過我們的麥克風，持續敲碗詩歌、走讀能與管樂更緊密的合作。在這裡，這份對音樂的熱忱早已超越了年齡與技術的門檻，成為人與人之間最純粹的交流。

　　嘉義市政府將城市博覽會結合嘉義市國際管樂節，或許也有這樣的用心。文化局長謝育哲（BK）補充，希望管樂節發生在各種大家生活、有共感的角落，「這是我們城市的大事，我們會一起共襄盛舉。」BK 強調，這一切緊扣著「+1」的精神：「這個城市是因為有大家+1、+1、+1累積而成的一個幸福城市。」對嘉義人而言，管樂早已超越了單純的演奏技術，昇華為一種能傳遞「土地溫度」的表達方式。這股透過音符建立起的溫暖共鳴，正將觀光客、回鄉青年與在地店家緊緊牽起，共同編織出這座城市宜居的美好總和。

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以「陣頭」代替「拳頭」，從百年香火中熬出一帖解藥

　　攤開萬華，看見的是一部人與人重歸於好的文化史。追溯至清咸豐三年的族群械鬥，在文史工作者林茂賢口中那段「頂下郊拚」的血淚裡，族群間曾築起排他的高牆，火藥味十足。而後艋舺瘟疫肆虐，惠安先民請來青山靈安尊王坐鎮平亂，青山王夜巡斬妖去病，至今已累積170年歷史。「艋舺大拜拜」逐漸成為萬華人的小過年：對土生土長的賣冰三代吳老闆而言，半夜「一邊睡、一邊聽鞭炮聲」是從小習慣的日常，但對剛入厝的高樓新街坊來說，這份不熟悉的徹夜喧囂，卻帶來了焦慮與抗議。

　　到了Covid疫情肆虐，民眾對萬華的標籤更多了。此時文化總會想起了「抗疫神明」青山王，「決定用新的方式讓大家走入老城區，認識信仰也認識萬華。」文總秘書長李厚慶這麼告訴我們。於是自2020年起，一系列替青山王暖壽的文化活動定調成「萬華大鬧熱」，祈求平安、也期待喚醒萬華的「鬧熱滾滾」。

　　近幾年，文總更加入了生猛有力的嘻哈元素，讓這座老城從廟埕到市場，吸引不少年輕世代前來朝聖，同時一睹青山王夜巡的傳統與萬華長年累積的文化魅力。透過文總與廟方的協力合作，不僅設下禁放高空煙火、深夜限音等原則，更引入「清掃志工隊」，在神轎過後迅速還原街道整潔。這份宛如「衝轎」本意般相互尊重的誠意點燃藝文火種，也溫柔化解彼此衝突。

聽團仔、阿公阿媽與神明，一期一會菜市場的生猛派對

　　台灣廟會本就是庶民最早的「行動音樂廳」，讓樂聲「鬧熱滾滾」與生命交會。當「艋舺有嘻哈」結合「艋舺大拜拜」，林茂賢老師精闢地將北管比擬為「台灣的重金屬音樂」，那大鑼大鼓的亢奮節奏，與嘻哈饒舌的生猛能量有著天然的親緣性；而優雅的南管則如同「台灣古典樂」，交織出廟會作為「行動音樂廳」的深度。

 　　在直興市場，除了頂尖嘻哈歌手，我們也會看見從偶像女團轉身為帥氣 rapper、追求無拘無束表達真實自我的林潔心，或是帶著學霸光環，卻熱愛街頭直球對決的台大嘻研與政大黑音同學。連坐輪椅的阿嬤、賣雞蛋的阿桑都跟著重低音的 beat 一起 bounce，完全融入在「最 local 的 vibe」 中。

 　　長年深耕宗教文化、甚至帶著神明拿下金鐘獎的柯大堡也說，嘻哈源於街頭與庶民，跟萬華簡直是絕配。而這份跨世代的共融，完美呼應了傳統祭典的轉化。有日本祭典相互對話、有街區散步彼此問候，繫上一只聯名香火袋，帶走一杯好喝的青草茶，在市場、在廟埕的一期一會，我們都是艋舺日常的一景。

生猛與慈悲共存的萬華，包容著來打拚的每個「自己人」

　　細想，在這份喧囂與熱血的背後，支撐起整場盛會的正是萬華百年來淬鍊出的深厚底蘊。萬華的包容力與慈悲，不僅體現在海納百川的神明信仰，更落實在對社會百態的接納。透過萬華大鬧熱的市集，關注無家者議題的 NGO「芒草心」得以與大眾開啟對話；而在地青年組成的「咖啡聯盟」，也串聯起新世代能量主動為地方發聲。他們在此共生，將脆弱的社會邊緣議題，溫柔轉化為強韌的永續網絡。

　　面對這座充滿生命力的城市，李厚慶形容，文總的角色其實更像是「文化放火者」，透過策展點燃變革的火苗，再期待交棒給地方蔓延，讓文化在街頭持續燃燒、熱血不滅。就像捨不得手藝失傳而回鄉接班的涼粉伯二代、主動串聯為地方發聲的萬華咖啡聯盟、投入無家者議題的在地社福青年等，文化這把火，確實讓在地沿著火種漸漸盛放，使萬華人長出自信，帶著老城的深厚底蘊穩穩接下延續家鄉文化的火炬。

　　「讓相信的成為信仰、信仰的成為生活。」萬華這座老城，以其特有的慈悲與生猛，包容了新舊衝突與脆弱的社會連結。無論是神明座前的肅穆，還是市場舞台上的直球對決，老城市有過太多標籤，卻也從不排斥任何人。從百年前的陣頭較勁，到今日的街頭嘻哈，萬華的生命力在市場、在廟口、在巷弄間不斷壯大，用最 real 的態度告訴世界：只要你敢衝、敢付出，艋舺永遠有你的一席之地。

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千百種客家姿態，為的都是相同本心

　　「客家」應該是什麼模樣？客家人有太多好棒的想法與定義：有人認為它必須承襲著舊有的底蘊，保留最純粹的「本格派」作風；也有人認為，它應該擁抱年輕世代的思考，改革成為與主流世界接軌的「創新派」。有人希望客家人要謹記先人諄諄教誨的客家心與傳統細節，有人覺得應該更開放好靠近，擴展到非客族群認識，甚至成為客家。而當客庄的大門敞開，就像是開放式廚房裡的大型交會，迎來的不只有來欣賞的看客，更讓不同思維的客家人，有了交流對話的場域。

　　事實上，在六堆聚落的日常裡，我們就可以窺見這股張力創造出的亮眼成績。回到竹田接手母親店家，並改名「惜緣亭」的青年曾世皓，與哥哥經歷了一番與長輩的激烈磨合，揉和了現代餐飲精準的SOP，與母親傳統的直覺手感，將客家滋味翻轉出「台灣炒飯王」的稱號。內埔子弟曾志元受客家文化影響至深，爸媽的磨練、客家元素的靈感，以及客庄種出的可可，讓他創造了世界冠軍巧克力。

　　這種在傳統中碰撞新意的「客家精神」，不僅體現在在地的日常產業，更鮮明地濃縮在狂客音樂祭的場域裡。場外可以體驗最傳統的手磨客家擂茶滋味，但也有攤販做成了擂茶甜甜圈苦甜入心，場內聽見資深樂團「山狗大後生」堅守客家音樂不迎向主流的純粹價值，建立起自我品牌堅定向前；年輕樂團「粹垢」在創作上毫無包袱，從團名到創作，用「可憐」還原年輕世代的掙扎，嗆辣幽默取得非客家專屬的新世代共感。「客家大廚」們創作料理更憑本事，向世界端出一盤盤自己心中的「客家本色」。

用卡司召喚隱性客家人，真正走入客庄文化

　　等文化菜餚端上桌，又是誰來入座？由屏東縣政府主辦、策展團隊用心號召，身為台灣極其少見以客家為主體的狂客音樂祭，在民眾得以完全免費入場的情況下，從攤商到卡司，卻擁有超強的陣容。這兩年策展的羅文裕與統籌「表哥」深知，要讓客庄被大眾看見，必須懂得「借力使力」。因此舞台上不僅有深耕母語的山狗大後生與粹垢等客家歌手，在符合客家比例至少過半的大原則下，更請到了Ella 陳嘉樺、蕭煌奇、許富凱、理想混蛋、Ozone等巨星輪番上陣，吸引無數人潮進入客庄，各取所需。

　　只要願意走進六堆，坐上那一排排象徵南部辦桌精神的紅色塑膠椅，一如主持人吉那所言，大家都是客庄裡頭的 VIP。語言不再是門檻，當非客家族群為了心儀的卡司前來，卻在不知不覺中掉進了精心佈置的客庄日常裡：走到展場內「狂客巨寶」的拱門打卡點下，看見的是搶著拍照的年輕人；漫步在絕對在地的「好客市集」裡，不會講客語的聽團仔，正大口咬下創新的擂茶甜甜圈、體驗著傳統的藍染工藝，就連台上的樂手歌星也會試著說一兩句客家話、試著唱客語歌曲。

　　透過這些潛移默化的五感體驗，狂客不僅為客家音樂搭起了千萬級的舞台，更讓「Hakka is everywhere」的理念化為現實：提醒超級巨星的客家血統、也邀請非客族群認識客庄，六堆正溫柔地召喚來到這裡拜訪的眾人，成為被這片土地擁抱的『隱性客家人』。音樂祭成為了一個溫柔的介面，讓原本互為他者的客家人與非客家人，在此刻消融了界線。

醃製、發酵與慢火，給點時間烹調出客庄好滋味

　　「請來這麼多主流歌手，這還夠客家嗎？」「客家真的需要這樣的『大拜拜』嗎？」這場才兩歲的音樂祭典，在摸索的路途上，必然夾帶著不同聲響。在客家單位的支持下，許多客家音樂人有了發行專輯的補助、也有了站上大舞台的表演機會。但「回家表演」，始終是許多客家音樂人殷殷期盼的，狂客在六堆這個客家主場，搭起自己的舞台，演出自己的心情，這樣的主體宣示，其實也是關鍵的第一步。

　　就如同策展方、同時也深耕流行音樂產業多年的羅文裕與「表哥」所言，借力使力不是沒有自信，而是耕耘需要一點時間。哪怕暫時賠錢也沒關係，用娛樂把人潮吸引到客庄來，再來慢慢體驗客家滋味的方方面面，甚至如多位客家歌手所期盼的，一次一次客家底蘊逐漸提高「反正你們先來就對了！」就像策展方同時做的「客流感」活動一樣，將客語流行音樂帶進全台校園，用玩的、跨語言文化的Jam法，讓年輕人聽到客家音樂、聽到客庄的故事，也就植入了客家文化的癮。

　　客家文化的傳承，就像是一道道極品佳餚。無論是惜緣亭純手工的客家大湯圓、曾志元獨門發酵技術的冠軍巧克力，還是羅文裕口中那必須讓生活「浸泡入味」的客家音樂，都需要時間的等待。在這個持續滾動與進化的文化廚房裡，誰也沒有辦法單一代表客家的全方位面貌；但有人負責守住傳統醃製的底蘊，有人大膽加入主流發酵的新意。本著自我家鄉的根，用耐心慢火熬煮，端出一盤盤讓世界驚豔的客庄好滋味，始終是客家人最厲害的真本事。

撰文：筑茵
責任編輯：內克

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舒米恩的魅力與都蘭部落的實力，讓我們認識了彼此

　　「如果沒有Suming花費所有精神、力量跟財力去做這件事情，根本不會有阿米斯音樂節；但阿米斯音樂節如果沒有部落這麼棒的文化內涵，其實也不能成就這場活動。」曾跟著Suming一路打拼，後來也深耕都蘭部落好一陣子的都蘭國前總經理鄭宜豪這樣分析。事實上，阿米斯音樂節從一開始舉辦時部落的質疑聲，到如今兩年一度、都蘭部落全體總動員的盛會，過程幾經波折。

　　舒米恩的號召力確實是一開始能成功的原因。透過音樂創作呈現故鄉和土地，他的歌迷認識了舒米恩口中的都蘭，更想親自走訪。而長達十年在部落帶領青少年接觸傳統文化，也讓他知道，搭起舞台，讓一群人在自己的土地上唱歌，可以點燃年輕人的愛，也讓部落文化有了傳承的可能。

　　都蘭部落當然也曾質疑過阿米斯音樂節，包含了一開始對於音樂祭的負面想像，以及對於外來者的戒心。即便闖出知名度後，「音樂節是舒米恩的，還是部落的？」這樣的聲音也曾出現過。但文化就是在生活中認識彼此的過程，透過部落階級同意與全體動員，加上舒米恩一次次對外的分享、宣導與溝通，現在的都蘭部落，有像都蘭國這樣的地方創生組織長期耕耘，搭配著阿米斯音樂節定期的能量釋放，讓部落能與前來參與音樂節的人彼此認識，也互相成就了這場難得可貴的文化活動。

不抱成見與卡司期待的音樂節，對這片土地純粹的喜歡

　　2025年的阿米斯音樂節開幕儀式上，原住民各族、各部落照慣例以自己的傳統服飾魚貫入場，更有來自南島語系的族群登場，讓人目不暇給，忙著歡呼與認識各部落特色。而呼應花蓮光復救災，還有一群穿著雨鞋與沾滿泥土工裝、手舉紙板的「鏟子超人」們也走進會場，用行動展示自己對這片土地的愛。

　　跟其他音樂節不同的不只如此。當我們訪問觀眾時，他們沒辦法像其他音樂祭一樣，回答「我是來看誰」，因為阿米斯音樂節從來不主打卡司，「一旦卡司走了，部落就什麼都沒留下。」舒米恩說，這是阿米斯音樂節從創辦開始就有的DNA，不靠大明星的光環，觀眾來到這裡不趕場，而是悠哉地坐在草地上，感受著太平洋的風、原住民的熱情，還有那些平常從來沒機會體驗的特色多元文化。

　　走在阿米斯音樂節，我們可能會被氣勢不凡的歌手在「現代舞台」表演吸引，跟著自在舞動；不久後，這些歌手可能跟我們一起在展示部落傳統歌謠的「文化舞台」相遇；我們會在手作區，跟著馬蘭部落的藤編老師，一起用阿美族傳統「魚簍」的造型，手工削製成散發著煙燻草香味的咖啡濾杯；我們也可能走進「文化小教室」，有時透過露天電影院，有時藉由議題導向的講座，讓我們有更多思考與交流的機會。而所有「可能」，都在讓我們深深愛上這片土地。

文化是種認同，存在各種美麗的一片花海

　　現在的阿米斯音樂節在Pacifaran（都蘭鼻）舉辦，這是一片沒有自來水管與電線、曾差點被大型資本蓋成海景飯店的神聖傳統領域，「捍衛完之後，這塊土地還能做些什麼？」舒米恩這麼想著，或許賦予了這塊土地新能量，也正是向外界宣示了，文化展現不只有傳統祭典，還有更多當代的可能性。

　　這裡沒有「大型塑膠帆布」或「大圖輸出」的舞台，取而代之的，是屬於部落手作的舞台美學。除了傳統，舞台上部落青年用歌舞展現自己的態度，讓性別意識可以多元呈現，語言更可以自在的流動，第一個非原民的表演者黃宇寒，可以拿著麥克風唱起阿美族、卑南族與排灣族語的歌曲，也可以教Suming如何唱客語。而PiA吳蓓雅，可以以Suming為主題寫了台語歌，兩人共演出趣味畫面。人們為之心醉的，正是這樣如解壓縮般百花齊放的、盡情展現自我的風格。

　　「作為這塊臺灣土地上多元族群的一員，那我們（原住民）一直在回應我是誰，那非原民的朋友，你們自己是誰？」那天的訪問，我們在文化小教室遇見了這句話。阿米斯音樂節透過多年努力，創造出了一個台上與台下之間沒有隔閡的空間，無論你流淌著什麼樣的文化，在這個以原民為主體的音樂活動，我們交流著盛放的感動與深情，也昇華成對這片土地與多元文化的認同。這裡沒有明星、沒有VIP、沒有你們，只有「我們」，隨著太平洋的風吹散了彼此間的界線與隔閡，也吹開了一片相互尊重、多元共生的花海。

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掛上安平兩個字，要跟大員借的還有勇氣

　　「活動掛上安平，一定會發光發熱的！」你說安平人浪漫嗎？每位台南人心中都清楚，當提到「從哪裡來」，安平人不講「我是台南人」，他們會說「我是安平人」，對自己長大的地方，有無限的愛與驕傲。這其來有自，安平舊名大員（Tayouan），那是「台灣」名稱的由來，百年來在這裡面對海浪與南吼的挑戰，安平人養成了堅毅的性格，同時也有著難以妥協的堅持。

　　「安平有很維護傳統的特質，但其實也有想要創新的個性」，如同安平文教基金會董事鄭道聰老師的解釋，要在歷史的浪潮中生存，安平人學會團結對抗外來挑戰，除了養成濃厚文化底蘊，同時也有著強烈的在地認同，與綿密的宗親關係。因此不難想像，這塊土地上的人民，多少有點「排他性」，對於外來者會有著防備的戒心，甚至可能被視為「掠奪者」。

　　浪人祭活動起源於北海岸，自2020年移師台南安平。創辦人蕭達謙並非安平人，卻對台南有著難以割捨的情感，「我嘉義人，現在住台北，但比這兩地，我對台南的愛可能還要更深，這是我第二個家。」用這樣的愛與熱情走進安平，達謙也不諱言，其實面對到的各種挑戰，以及與「地方仕紳」的溝通，有時也會讓人感到心力交瘁，「你只是想做個音樂祭，有這麼複雜嗎」？

　　達謙暫時想不透，但很願意試：他們一次又一次與當地政府、團體多方合作溝通，也真的跟大員百年發展討勇氣：以台南特色、狀似魚背的沙丘地形「鯤鯓」為舞台命名；將安平傳統家戶門上避邪求安的「劍獅」融入活動精神等等。不僅如此，浪人祭也將部分收益回饋給在地的登革熱防治與老人餐食，用謙卑與善意，來和安平對話。

　　「台南人的禮數是會給你時間，然後他們會把距離拉得開一點。」如同來自高雄的樂團「薄荷綠工廠」分析，對比港都的熱情，台南相對溫和，卻也願意給時間來證明對彼此的愛。所以就像鄭道聰老師說的，既然掛上安平會發光發熱，那麼走入社區結合自然與人文景觀，並建立對土地的高度認同，想必是浪人祭得持續耕耘的努力方向。

淨灘與無塑的浪人堅持，沒這麼容易

　　然而浪人祭的成績與挑戰，並不只有在地溝通。「浪人」一詞起源於北海道劇團裡那「在東京街頭撿垃圾的武士」，用這樣在意環境的心意來舉辦活動，浪人祭以「展場內無塑」及「海邊淨灘行動」兩大手法，落實永續精神。民眾要走入浪人祭，需嚴格檢查包包以杜絕一次性塑膠瓶，並在場內推行餐具租借制度，全面禁用免洗餐具，從源頭減少垃圾產生。統計至 2024 年，這場本有可能產生好幾公噸垃圾的大型活動，反而成功減少了高達 313,000 件一次性餐具的使用，並且拾獲了 5,217.5 公斤的海廢。

　　但偏偏面臨環保議題，每個人的心中都有一把尺。十月的台南依舊酷熱，強風捲起沙塵，讓台上穿著恐龍裝演出的樂團「恐龍的皮」直呼彷彿經歷「大滅絕」或是身處電影《沙丘》的場景，這種體感上的極端挑戰，直接反映在浪人祭最核心的「淨灘」活動：「太熱了」、「沒有人陪」、「早上爬不太起來」、「不是很確定在哪」。達謙坦言，將生硬的環境倡議放入娛樂產業中，本就難以要求多數人買單，但透過「浪人塾」等跨界對談，主辦方試圖用更有趣的方式包裝嚴肅的環保議題；同時，現場也不乏默默捲起袖子、自發性走到海邊撿拾垃圾的樂迷。在烈日之下，浪人祭正努力尋找音樂狂歡與土地守護之間的最佳平衡。

　　「為什麼不能帶寶特瓶去裝水？」、「我只是聽個團而已，為什麼這麼麻煩？」、「條條框框這麼多，是不是想藉機斂財？」雖然無塑的這份堅持，確實打造出了一個散場後幾乎看不見垃圾的奇蹟場域，連長年推動環境保育的 NGO 組織與在地住戶都讚譽有加。但許多第一次入場看表演的人，甚至是擺攤的攤商，也有些聲音。環保從來不僅是口號，但在執行時卻充滿了理想與現實的兩難。在達謙眼中，浪人祭就是一場社會示範，即便需要耗費大量時間與攤商、觀眾溝通，甚至承受責罵，他們仍堅守著不製造多餘垃圾的底線。

聽團浪漫在人，成就永續也是如此

　　聽團確實是件浪漫的事，但其實鄰近觀夕平台的浪人祭舉辦地，也有另一種「浪漫」：那是能聽見海「浪」的呼喚，也必然會感受「漫」漫飛沙的洗禮。十月的台南仍然酷熱，彷彿是一場氣候變遷的微型體驗，真實映照出環境永續的急迫性。

　　然而，即便揮汗如雨、過程充滿不便，我們依然看見樂迷在烈日下帶著微笑享受音樂，手捧自備環保杯在補水站排成沙漠中的「綠洲」；也看見有人找不到官方活動，仍自發性地默默走到海邊撿拾垃圾。或許所謂的浪漫，不單是夕陽挽著海浪的風景，更是在這片土地上，願意為了守護環境而退讓一點點便利的溫柔心意。

　　如同文學前輩葉石濤所言，「台南是個適合人們做夢、幹活、戀愛、結婚、悠然過日子的好地方。」透過浪人祭，無論是台上揮灑汗水的音樂人，還是遠道而來支持無塑的萬名聽眾，只要願意為環境與土地付出一份心力，在這座充滿文化底蘊的城市，相信我們訪問時聽到的這句感動，正逐漸交織出共融的美好：

　　「安平有兩種人，一種是出生在這裡的，另一種，是與這塊土地付出情感交流的人。」

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迷惘後的再出發，滋養眾生的恆春

　　「無論你從哪來，在恆春，人人都有第二次機會」，口耳相傳的話，反應了土地上人們的組成。位於台灣最南端的恆春，是個迷人至極的國度：在這裡，有人修身養性、有人好好生活，有人發現了一生摯愛。身為屏東人的排灣族音樂人戴曉君Sauljaljui，本想靠著搖滾樂闖出一片天，卻輾轉在恆春拿起月琴，找回創作的能量。輕鬆玩樂團的主唱Summer，春吶多年的搖滾態度，再受恆春土地與人間國寶張日貴照顧，搖身一變成為文化部認證的民謠傳藝師。

　　看來恆春歌謠，還真是這片土地上最「搖滾」的生活態度。過去曉君也曾跟包含吳登榮（榮哥）與眾多長輩，共同組團「海角168」，在春吶彈著月琴唱著歌，那份從「ROCKER」到「LOCAL」的態度暖進眾人心房；Summer則這樣形容，門口納涼的阿公阿媽，本來都還在隨興嚼著檳榔聊天，但只要一聽到有人要來學民謠，一把月琴、一段故事，娓娓道來的聲響，情緒便如落山風吹下，恣意竄進心窩。她自己也曾聽聞老師張日貴阿媽的故事，逐漸體會〈牛母伴〉分享的愛與苦......。

　　難怪張碧英阿媽會這樣形容，像這樣的歌，哪怕走遍世界，都找不到。那是專屬於恆春半島的生命力。身為滿州民謠傳藝師，在她心中觸動人心的民謠除了唱，還要傳，傳給大人，也傳給孩子。她還在唸國小的學生「蚊仔囝」說，喜歡恆春歌謠的原因，是因為可以感覺到各種心情，有開心、難過、悲傷，也有驚訝、感動。那是照顧著恆春眾生相的文字與旋律。

在孩子口中，老調成為充滿希望的新聲

　　月琴成為恆春民謠的一部分，傳唱了這麼多的生命故事。可是你知道嗎？因為月琴製作方便又便宜，過往許多乞丐會彈奏月琴來行乞，因此月琴也曾被稱為「乞丐琴」。而恆春歌謠也曾經在流行音樂的傳唱特性下，一度曾被半島的人們束之高閣。直到如許常惠老師記錄下陳達的歌聲，後再有如鍾明昆教授與許多音樂人努力保存並推廣，恆春民謠才慢慢被拾回認同。此刻的恆春半島，共有包含朱丁順、張日貴、陳英等三位人間國寶，與吳登榮、黃却銀、張碧英、張錦桂、陳慶松等五位民謠保存者。

　　音樂人的努力、公協會與社團等民間單位陸續地成立並積極推廣，恆春民謠傳習計畫讓恆春從幼兒園到樂齡據點，都能聽見恆春民謠的教學互動。屏東縣政府也從「恆春國際民謠節」開始嘗試起，經過十年積累後轉型成「半島歌謠祭」，再到此刻拾回「國際」二字，由擅長世界音樂合作的風潮音樂承辦，在為期五天的半島世界歌謠祭活動，包含了世界音樂盛會、特色市集、民謠大賽、國際交流工作坊等豐富內容。

　　順著歌謠祭的風，民謠成為了我們彼此遇見、疼惜的媒介。從Summer口中過往一度參賽者比觀眾還多的民謠大賽，到此刻不但全家總動員，一起替台上演唱恆春歌謠的小朋友喝采，更有小孩在台上得了獎，家裡順勢推出「月琴雞蛋糕」這麼可愛的畫面。老調在孩子們的口中，是大人交給他們的生命心聲，卻也讓他們用稚嫩的嗓音，再詮釋出來的新聲。

從在地到國際，半島歌謠音樂祭的世界聲響

　　鏡頭一轉，半島世界歌謠祭的其他舞台，月琴也開始與眾音結合，當代音樂人打著爵士、唱著嘻哈來到這片土地，阿公阿媽也鼓起勇氣，拿出土地聲響與之唱和，更曾在主辦方的用心下，與過去的自己對望互動，唱出台下一片淚光閃閃。文化與樂聲正是在這樣的不斷轉譯交匯之下，散出更多元的種子。「我想要整個鎮、大家就是走在路上都可以聽到那個音樂。」關於未來，策展人于蘇英是這樣期待著的。

　　例如2025年半島世界歌謠祭，便以「民謠搖滾」為主軸，除了曉君擔任音樂總監與主秀表演者，與半島民謠藝師藝生、日本三味線演奏家與旅美音樂人共創交流，更集合了包含日本、澳洲、義大利、美國、英國、法國、馬來西亞、臺灣等海內外演出團隊共襄盛舉。月琴與恆春歌謠已經不只存在於保存，更能成為和世界交朋友的台灣聲響。

　　當半島世界歌謠祭的策展主題敢命名為「半島來辦桌」，端上的料理，想必每道都是真本事。半島的落山風吹撫過歲月洗禮的歌謠，吹向讓國際聽見台灣的聲響，在這場不分國界、不分年齡的盛宴，跨越世代和國際的音樂人們紛紛端出好手藝，所謂越在地越國際的精神，成為了一道道的視聽饗宴。所謂半島歌謠，其實便是把生活過好、記錄下土地的日常，再告訴這世界，我們是誰，我們的愛是什麼。有南國為我們做好這份示範，著實讓人感覺無比驕傲。

撰文：筑茵、內克

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用酒精來「交陪」，海派的迎客與自己自己

　　蚵寮有句很有趣的口耳相傳：「啉酒毋是你死，就是你死！」

　　在訪談中，各路音樂人都提及這個地方給了他們這種「太熱情」，像是剛在shot杯倒好的純香陳酒，在杯緣稍稍溢滿而出的佳釀，沾濕了眾人的手和心、潤滑著合作交流的紐帶，卻絕對不會缺失了海港人特有的味道：對家鄉的自豪與熱愛、對生活的生猛熱情。如此情懷吸引了台南人黑哥（謝銘祐），參與小搖滾後也被小搖滾啟發，回安平創辦「南吼音樂季」。時隔多年，2025年的南吼起心動念「回」到蚵仔寮「交陪境」，再度喚醒了你永遠不知道何時會舉辦的蚵寮小搖滾。

　　蚵寮小搖滾基本上就是蚵寮人對於家鄉、土地熱愛的實體縮影。在這樣一場隨意任性、台上台下沒有界線，表演來賓何時上台都沒把握的音樂祭，我們看見的就是蚵寮人對這片海港、對故鄉的自豪與自信。相信自己的家鄉就是第一名，想做的時候，做就對了！

　　這樣用盡感情的活動，逐漸凝聚了各方音樂人，不分哪種語言族群、哪怕身處海洋另一端，都有表演者被召喚，而來這裡表演的人彷彿打破了那條你我的界線，通通成為海派的蚵寮人，台上表演盡情喚醒海派靈魂，台下互動交織出一句又一句的「予焦啦」！

重感情的人，如何面對消失的門牌號碼

　　小搖滾尚未舉辦前的日子，蚵寮人蔡登財記得很清楚：觀光客路過來買「現撈仔」，然後離去。有本事的蚵寮年輕人離家出外打拼，大概也不會回來了。像他這樣留在這裡的人，有些時候也快想不起來，消波塊外的那片海，曾經有門牌號碼的模樣。重感情的蔡大哥這輩子在這裡生活，也想做點什麼，不只是蔡董、蔡會長，他也弄了一個「港仔門工作室協會」，試著留著歷史碎片，也成為孩子的共學基地。「其實我說這個地方就等於自己的父母，你要好好去對待他。」蔡大哥在聊天中這麼說。

　　至於小搖滾與蔡大哥的緣分，其實意外的簡單，透著一股南部專有的人情味，在一次醉後的約定，為了「不漏氣」，本來一個獨立樂團都沒聽過的蔡大哥，硬是與年輕人一起辦出了這樣一個在地人自發舉辦、充滿海派與自在的音樂祭，口耳相傳下，成為全臺最生猛有勁的存在。問他還要趁勢繼續辦嗎？蔡大哥不置可否，「辦活動要有意義再辦」，當年的舉辦，是為了讓回鄉的年輕人找回對故鄉的愛與認同，接下來的續辦，意義在何處，他還在等著這片土地回應。 

我不是為了你辦這場活動，蚵寮被看見才重要

　　如果說蔡大哥是組建蚵寮小搖滾的地基，那余嘉榮就是籌辦、策畫的骨架，這位「返鄉中年」曾是透南風工作室的總編輯，此刻返鄉則是紅燈碼頭旁海邊的格瓦拉的老闆。「難以被定義、難以被掌控」，這是榮哥口中的小搖滾。

　　好比音樂祭卡司，對榮哥他們而言，每次登台的人，與蚵寮之間的情感連結，才是最重要的。無論是歌手，或是在地孩子的表演。提及在「八點黃金時段」安排了家鄉孩子上去表演，榮哥對著這群孩子說「這件事，你們才是主角。那些明星、歌星、台下的觀眾都不重要，你們才是最重要的人。」所謂「為了自己而辦」，大概就是：誰是「蚵寮人」，誰就是小搖滾的核心。

　　那麼誰是蚵寮人？曾經他也逃離過故鄉，但血液裡的那片海風還是召喚著他，想起因為蚵寮小搖滾，越來越多年輕人願意返鄉、或願意看見家鄉，並且想為自己的故鄉做點什麼，他眼裡滿是「學長」的驕傲，卻也語重心長提醒著，「返鄉青年容易帶著都市的觀點，覺得自己腦袋靈光、會AI、會技術，不自覺身段會比較高。但如果你帶著這層隔閡，你就看不到真正的文化」。

　　至於因為音樂祭而認識蚵仔寮的遊客，除了來聽歌，或像過往一樣吃海鮮，榮哥更希望帶著大家關注更多海洋議題「我希望保留那種「生猛」與「草莽」的生命力，但我希望它能發展出一種「社會意識」。」在他的店舉辦海洋生態相關講座，或著像我們這次訪問到的赤西里里長用心經營的走讀活動，蚵寮人這種為家鄉做點什麼的心意，玩出了生猛的小搖滾，也融化了你我的邊界。下次再來蚵寮，杯觥交錯之餘，請細看眼前的海、聽聽生活的土地，其實都在召喚著我們，為故鄉、為自己，再搖滾一次。

撰文：筑茵
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在空曠而磅礡的宇宙裡，是一片虛無，是每天都有新星誕生、每天都有人逝去，我們總會認知、面對到「自己是無關緊要的」，再巨大的悲傷、再巨大的快樂，對於宇宙都無關緊要。在這樣的世界，我們並不是自己選擇要降落的世界，終將消散的自我，這一生究竟還能做什麼？解答是什麼？抱持著這樣的疑問、不斷打磨自己的Control T，維持了專輯製作的「老派浪漫」，維持貫徹始終的統一概念，寫出了這張《Waste Land》，並不是給出答案，反倒是以提問產生動力，陪伴世界上所有正在經歷寂寞、感受孤單的人。這是一場「不完整的完整」，害怕、悲傷、快樂，無論是什麼樣的情緒，在這片私密荒漠、虛無宇宙裡，Control T都會接住你、都會陪伴你，一起活在當下。悲傷的時候能夠被理解，快樂的時候不要擔心會再次墜入黑暗，當大家一起孤單的時候，就是一場慶典。要相信、也要堅信，“I‘m the best of me in the dark. ” 

帶著這樣全新的音樂，Control T將這張專輯獻給也許迷失在生命荒涼廣漠裡、也許感到十分孤獨的所有的你，希望能一如既往陪伴大家，帶著光，在荒漠裡找到海岸，要再去遠方，把過去十年的碎片撿起來，航向更遠大的地方、更新的自己。 

（文：筑茵） 

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成團十年，務實浪漫的「曖昧系」樂團甜約翰推出了《GOOD AFTERNIGHT》，Afternight，是在長夜後，天將明未明的黎明初曉前的珍稀時刻。這樣的意象也側面描寫了約翰在這三年間的經歷，有成家生子、有戀情起伏、也有不同於以往的創作過程。

在突破創新與堅守本我間，甜約翰就像是在漫漫夜裡前行的旅人，摸索著方向、探索著可能，彼此間互相扶持、摩擦、融合，蛻變成長、重新出發，慢慢地找到「能再變成如何？」的嶄新前路。在這張專輯之中，甜約翰融入了與以往相比稍加流行的曲風，帶著自信的他們早已不再急於證明自己，而是更加慢下步調，使用「減法原則」、少即是多的方式編排詞曲，讓甜約翰能以簡單卻不失精緻，細膩淺顯的方式進入大眾的眼光。

白日裡的工作、讀書；夜晚的休息、睡眠，堅定、迷惘、熱戀、失戀，在人與人的愛恨拉扯間、離開與留下的決斷中，無論如何不定的狀態，甜約翰療愈的歌曲總能伴你走過，帶給你重新出發的勇氣，同你一起於暗處中點燈、探尋生命的光亮，最終在afternight後抬頭迎接溫暖的熹微天光。

（文：筑茵）

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在《城市之聲City Voice》之中，「中英雙語」的錄製版本讓他們不只是跟華語圈的人們對話，更是與世界一起穿梭在生活間。一首remix、十首全新的合作創作，風格大相逕庭、各有特色的音樂人在Skyline的巧手下，各個展現出了自己的聲音故事，融合的不只是「人聲」，更是一段一段人生裡的片段點滴，音符與旋律串接其中相連的細絲，織引成你心中、屬於自己的「城市故事」。 

Skyline的音樂總給人一種十分urban的感覺，像是在晚間的道路上駕車漫行看見的五光十色的鋼鐵森林，大膽嘗試與多方接納不侷限的風格，使樂符裡融合了城市之中不同角落的聲音，匯造相異的火花、鎔鑄出獨一無二的聽感饗宴。在這樣的融合裡，你中有我、我中有他，我們的存在、思想、眼界並不會因此消磨滅盡，反倒更加的多元炫目，閃耀出自己獨一無二的色彩，一如熙來攘往的大都會，一如融匯八方的Skyline。 

Chillax! Don’t hesitate and dare to make a move, let’s elevate the night. 

（文：筑茵） 

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如同平日的有機、Plutato 三個人，開場直接set好樂器，就這麼在錄音室演奏起來。 

但他們也有想回到過去的時候，《Ctrl+Z》在電腦快捷鍵的用法上是還原，但團員們豐富的聲音製作經歷是「回不去的」，於是專輯中能感受到一些躁動的活力，但卻也有著細緻的安排，讓一切不會顯得過於張狂。 

就像Plutato 這個名字是結合了Pluto和Potato這兩個看似不相干的事物一樣，充滿對音樂的堅持，帥氣又帶有點中二。例如在創作時，他們可以很隨意，也能夠很執著。有很多的元素，某個聲響、段落，甚至某首歌曲都是意外「玩」出來的；相反的，他們在其中一首歌，光是對聲響大小就能討論許久，直到混音完了，還很抱歉的要求再修改。以上種種說明了他們的隨意，並非對於音樂不講究，而是高超的技術都已深植在他們體內，才能用最隨性的態度碰撞出最優質的作品。 

青春的行動，佐以無法掩蓋的從容。如此宇宙遼闊，如此有機馬鈴薯！ 

（文：景富）

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比起爬坡時作品裡感受到的力道與憤怒，這次專輯聽見的是更靠近人聲溫度，帶著低吟的沉思。《雲就要翻過山》放著「人們如雲，命運如風」這樣的命題，還原一首首「聽得見的風景」，也試著在這些歌曲裡理解失去，同時追求平靜，也更珍惜人與人之間的一期一會。 

「這是獻給當代都市原住民，某塊小小分類的專輯。」Giyu說，這幾年的創作，除了更走進自己，記錄了從台東到枋寮，那段南迴公路的記憶回望，也試著用大自然的畫面書寫，還原給聽眾更多的空間，同時讓這些自然元素的循環與專輯對話，不張狂，卻也讓人想繼續走下去，理解沿途風景的美。 

謝謝Giyu創作出這樣好聽的作品，讓我們有這樣的緣分一期一會，真是幸運。 

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但李竺芯真正的童年，其實不是這樣的。從小嚴格的訓練唱歌與表演，她就像個小大人，老師甚至要求她出門就要畫好妝，因為不知道什麼時候會遇到歌迷，什麼時候會站上舞台。

但唱著唱著，她的聲音與身體開始分離，抓不到、也靠近不了那個拼命往遠方跑的自己，「我很常被說唱歌好好聽，但，然後呢？那種很強的抽離感，我很想知道後面是什麼。」就像李竺芯說的，20多年累積的習慣要穿越，才會有新的東西，但真的好難。

她說要這樣玩，聽見那麼多人味，與曾經眼中的瑕疵，她也怕啊。但在花蓮感受到的，身體那股對自由的全然的渴望，強烈到讓她即便帶著害怕，也還是要去做這些歌曲，聊審美、聊自己，聊許多人不想談的秘密。在Baby老師的協助下，李竺芯輕輕卸下過去所帶來的枷鎖，但不丟棄，而是用「開心手」來擁抱，重新建起了一個安全空間，給自己、也給聽眾。

立體而飽滿的作品，笑鬧又厚實的聽感，誠實且美麗的畫面，是靈魂全然的自由。竺芯已經跟上竺芯，你是不是也願意牽起自己，來聽看看這張作品呢？

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《Heal Me Good》是我今年很喜歡的專輯。

Yufu 從過去的迷幻搖滾風格轉向靈魂樂，帶我們回到 1974、1975 年左右的美國靈魂樂氛圍，打造出一張充滿該時代聽感的作品，「我不覺得我在復古，我就是在那個年代，做那個年代的音樂。」讓自己活進那個時代，Yufu說，他要做一批最純的。

當然，過去的養分不會消失，反而讓這張專輯多了一層獨特的味道。Yufu 說，靈魂樂歌手往往圍繞一個主題創作，於是他選擇「藥物」作為專輯的關鍵詞——是不是一聽就覺得很迷幻搖滾？但這次，「藥物」被拿來與「愛」對照，最終渴望的仍然是「療癒」。「那你到底被 Heal 了沒？」我問。他笑了笑，語氣有點曖昧：「還在療程當中吧。」

或許這也是這張專輯最動人的地方。Yufu 說這些年來，音樂路並不總是順遂。在台灣玩靈魂樂，有時候會感到寂寞，創作的過程像是不斷拋擲訊號，卻不確定會不會有人接住。但即便如此，他仍選擇繼續前行，甚至透過海外的音樂社群找到更多志同道合的夥伴，一步步把這張專輯完成。「其實 30 歲前後，有很多次想過 quit。」但身邊有人陪伴、有人鼓勵，還是讓Yufu決定重新開始。

「這是我從小聽著長大的音樂，我也一直覺得，這是人類音樂的巔峰。」既像一帖療癒的藥，也像一種讓人上癮的毒，如此人性的作品，等著你的耳朵服用。Yufu 說，他的 30 歲，就是在這樣的狀態下「靈魂重生」。祝福 Yufu，也祝福這張專輯，能夠 Heal 更多人的靈魂。

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古樂樂良春手上有很多刺青，其中有一個是塔羅牌中，象徵「帝王」（Emperor）的圖騰。

查了一下，牌面意思與穩定、結構、秩序有關，對照回他的三十歲，從一名鼓手搖身一變成為全方位音樂創作人，還開了家公司，all in，多渴望能掌控一切。

想著或許也是一股強烈的堅持，先帶著他到紐約學習打鼓，又帶著他找到了自己的部落，身體上的、心靈上的都是。紐約的導師啟發了他鼓手的“ride”精神，深深地影響了他的音樂價值。甚至一次紐約一次買咖啡的經驗，都讓他決定回台灣後，探究自己如何與排灣族血統對話與學習。

於是《ATAVISM返祖現象》與大家見面了，充滿古樂樂良春對於原住民文化與自身關係的反思，歌曲製作上也突破了對鼓手創作專輯的想像，展現出了全面掌控度，卻也仍舊保有餘裕。

或許，保持彈性，就是最好的掌控，也說不定！

（文：景富）

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楊肅浩說他還蠻喜歡自己的30歲。都說三十而立，好像也是在檢視一路走來經歷的那些，是不是更能成熟的面對了呢？

在30歲誕生這張《像咱這款人》，肅浩說自己明顯自信很多，除了不斷學習累積的音樂製作能力，我覺得他對議題的掌握力道也變強了，無論發散與收攏，都有穩定的定錨力與敘事畫面，新舊碰撞與編曲思考也都更深更有創意。而歌曲內聊到的哲學觀，則成為這個階段的定義，好比我特別喜歡男性在這張專輯的重量，「第一張專輯寫了媽媽、阿媽，這張我更想聚焦在男人身上。」自己的30歲長成了什麼樣的男人，又看見了什麼樣的男性，無論歷史經歷過的痕跡、當代與女性的互動、世代間的心聲或衝突，或是內心最深層的較勁與傷痕，肅浩在理性理解與感性揭露的回望過程，誕生了更多向前走的能力。

「希望這個年代，除了保有語言的特殊性，更重要的是題材，這個題材用這個語言，大家聽得懂的。」比起語言的界定，肅浩更在乎文本，這些命題與命題背後的意識為何，樂器與歌曲如何選擇與組合，即便是多位製作人共創專輯，也得核心踩得穩，讓聆聽感更完整。當問及會不會擔心文本太厚，他反而認為，當大家都在尋找濃縮答案時，也需要有人願意提供思考的空間，「不能只看流行音樂市場現在是什麼，而是理解我們擁有什麼可能會是未來需要的。」

未來需要什麼？我們也都在摸索中找答案。就像專輯裡的每首歌，就只是走到這個年紀的一個切面，有幽默的、控訴的、掙扎的，也有和解的，楊肅浩曾經走過的路、身為老師觀察到的現象，被這樣記錄了下來，慢慢拼湊出輪廓，是種面對，是種成長，當然也是種療癒。我們到底是怎樣的人？答案也許反覆在變，但誠實連結、反省過去的自己，才有和解的可能。而後呢？「跟愛人開心過好每一天，平安快樂。」深深祝福肅浩。

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「就好像寫完了。」他發完了兩張華語專輯，感覺話已經全都說完，不太知道到底還要再寫什麼歌、再多說什麼。而疫情一來，本來想出國打工度假換靈感的點子也沒了，「也不是沒想過，要不然就不要再做音樂了。」講出這句話的時候，柯智棠語氣沒有太多糾結與情緒。

他那陣子幾乎消失在大家面前，只去了一趟陳建騏的專場演出。說來也奇怪，那台放在後台的鋼琴，好像有個召喚力，吸引他彈了幾個音符，結果創作的開關就被悄悄打開了，「我很久沒有彈鋼琴了，家裡的電鋼琴早就壞掉了，放在角落積灰塵。」他回憶道，「但那一天，我突然很想彈，然後開始彈了之後，又想繼續彈下去。」

就這樣，柯智棠又開始寫歌，於是我們又聽見了他，不再煩惱語言，走出門，才真正回到心裡的家，不再困惑。就像你以為Nova是「新星」，其實早已存在，只是機會一到，亮度才強到讓你看見。星體累積到極限的瞬間釋放，就像這樣的創作之路：吸收、積累、卡住、然後某一天，突然找到出口。

「我沒有什麼特別想許的願望，只希望自己能繼續自在地活著，繼續做想做的事。」細膩的歌詞、溫暖的嗓音接住了那麼多人，但經過訪問，我發現倒也不用擔心柯智棠的生活會失去重心，或遇見創作心魔。因為就像節目最後播放的〈Barely Intended〉，他不會逼迫自己一定要達到什麼，也不會執著於自己「應該」做些什麼，就像一顆等待時機的Nova，他不強求爆發的時刻，當能量累積足夠，自然就會被世界看見。祝福柯智棠，在這條路上，一直這樣自在快樂。

13歲那年，鍾綺說想要像Jason Marz一樣彈彈唱唱，於是爸爸送了她一把吉他，但創作歌手的路並不是這樣定型的。曾經唱片公司不知道怎麼打造她，曾經她沒想過要唱台語歌，但一路累積成為了自己現在的模樣，唱腔獨特、創作充滿畫面，「真的會很多人覺得我是故意要這樣標新立異，但我內心知道那是我自然的樣子，那是我這幾年來的摸索。」

但知道不代表不怕，或是全然的接受。成長階段經歷霸凌，養成鍾綺下意識覺得大家無法接受，所以做出了繭，保護自己也展示給別人看。身為一位唱著比較獨特台語歌曲的女性創作人，許多標籤被貼在自己身上，有稱讚卻也有很多異議聲音，「不遵守規矩」像是緊箍咒，束縛著自己。

但我認為鍾綺是那種可以消化眼淚，並燃燒成為艷火的人。第一張專輯《空喙是...》將霸凌經驗寫成歌，是一種清創過程。這張專輯《卅》將破繭而出的自己，消化與觀察成多元可能，有持續對台語創作的理想、有討論第三者、安樂死與離去議題的作品，也加入了許多旋律咬耳的台語情歌，「不照規矩走」其實是帶著「Hope」，鍾綺說，他希望有一天，真的能夠把台語歌推廣到全世界。

聽鍾綺用《卅》聊三十，你會發現那樣的脆弱與堅強確實共存。脆弱讓心一次次破碎，再用音樂堅強地一次次縫補，樂觀的天性、消化的能力，讓乘載的情緒成為創作能量，歌曲既凝聚也有破壞力，陪伴了有類似心情的人。祝福鍾綺的願望能夠成真，也希望我們都能記得，你就是平行宇宙中，最獨特的自己。

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太喜歡柔米，特別找她來聊30歲的改變，結果最後卻變成了美食節目？柔米說她常常會分裂出一些自己來討論，好比說食物好了，以前的她天天認真想著要吃什麼，現在一方面有聲音跟自己說，什麼味道大概都嘗試過，已經夠清楚了，也就懶得想了。另一種聲音則比較嚴厲，嗆自己說「你確定？」，生活應該還是夠新鮮，也該多留些想像的動力吧？

認真想想，其實這也是柔米音樂路的選擇。第一張專輯後，柔米做了一張對她很重要的作品《台北錄音》，「24、25歲做的東西，很年輕，很有活力的階段。」那是一種有很強能動性，也在控制生活與作品的狀態。這個狀態時遇見了錢煒安（Zen），在柔米靠近三十歲時，一起完成了帶著她走往遠方的《鎮妹》，「整個團隊陪我生火，慢慢研究吃我喜歡吃什麼，跟這個食材該怎麼做，最能綻放本來的味道。」柔米說，這是一張很本質的專輯。

本質的專輯、30歲的自處，慢慢創造出了一個空間來，跟聽者的生命經驗有了連結，也有了更多的餘裕，給自己與別人多一些。就像那個粉絲送的移調夾，或是自己買給自己的零錢包，對柔米來說，想著再多給一點，其實反而是一種舒服的「自洽」，甚至讓她接下來準備撿起過去那位年輕無畏，卻也相對脆弱的柔米，在新的時間空間，再多給大家一些什麼好吃的。看來懶得想吃什麼的三十歲，或許是柔米慢慢朝大廚之路邁進的自在，我超期待、超祝福。

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節目中他們兩人分享的三十歲可以說是截然不同，三十歲的楊智博，可以說是順風順水；而同一時間的DK卻表示自己亂七八九？原來兩人的三十歲時期，差不多就是「同根生」第一張專輯發行期間，此時的「同根生」還是純演奏編制，而DK也還尚未加入。直到後來因緣際會在智博的邀請才讓DK與「同根生」一起進行《邊緣轉生術》，推出了第二張專輯。

「不小心降臨的感覺是一個空泛的概念，你可能是一個未知不明的狀態。可是我會把他設定成，人生的關卡不小心降臨了。很多時候你遇到失去，或者是遇到不管是容貌焦慮、數位孤獨。別人再怎麼講，最終你還是要回到你自己內心的叩問，你過得了你自己那一關嗎？然後最後你又會發現，很多時候不小心又過了一關。」第三張專輯《不小心降臨了》，想來也像他們口中的三十歲，關關走、關關過。

（文：景富）

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回到專輯創作的起點，小凹也分享在製作時遇到的掙扎，「第一張，我們自己當然做完很滿意，很開心大家喜歡。但是第二張就會出現，你肯定要有所不同，但可能又不能太脫離原本的味道，這邊會有一些拉扯。」於是「凹與山」就在這樣的掙扎一邊拉扯，一邊重塑樂團的框架，讓這些思考通通注入在專輯《Hidden Album》中。

「其實這張專輯更多的是很從容、很自在，從我想要講一件事情，到其實我不用特別想，我要講就是就講出來了，相對於三年前，是一個很大方的狀態。」如同Isan分享，經過時間的打磨，凹與山像是磨利了刀刃，能更準確地劃開表面，直指情緒的核心。而這些轉變，也不只藏在旋律裡，專輯中更隱藏了許多巧思，從樂器到包裝，都更完整了專輯的概念。

（在這偷偷分享，專輯的裝幀設計超可愛！)

（文：景富）

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如果說上一張專輯記錄的是二十多歲在路上的迷惘與煩惱，那麼這張新專輯《懂》，便是他們拉長時間線，回望生命循環，釐清自我與世界邊界的重要里程碑。

專輯中延續了好樂團犀利的批判視角：開門歌〈攀〉描寫那些為求成功，不擇手段、「踩著別人屍體往上」的人，只為一句「你知道我是誰嗎？」，〈最後一根稻草〉則唱出肩上責任的重量，而〈洄游〉更透過異鄉遊子的故事，叩問生命中「也許有些擁有必須先失去很多」的辯證關係。

所謂的成長，不是停止不前，而是不斷突破更高一層次的挑戰。歡迎大家來聆聽節目，跟著好樂團一起「懂」得自我覺察與界線（課題分離），尋找你現階段的答案，或許轉瞬間，你也會覺得如同那首關門的〈歲月的海〉一般地被照顧了！

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【 演   出   資   訊 】

2025 好樂團《懂 Epiphany》十週年發片專場

“ 「走了十年後回望，終於懂了」——
以成熟的口吻，將憂愁輕輕道出、對狂妄毫不掩飾、對無知笑著諷刺。”

⁂ 場次日期

台北場｜ 2025.11.23 (日) 18:30 Zepp New Taipei
高雄場｜ 2025.12.06 (六) 17:30 後台 Backstage Live

⁂ 售票連結https://go.fansi.me/events/580001

（文：景富）

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微醺開根的團員們在大學時期的原住民青年社團中相識。團員組成可說是「聯合國等級」的多元組合——泰雅、阿美、布農、排灣，以及一名漢人保障名額。這次上節目的，是團長 Teymu Boya 以樂。

雖然是年輕的樂團，微醺開根的音樂卻住著「老靈魂」。他們不追逐流行的聲響效果，而選擇保留音樂最純粹的樣貌。以樂回憶起一路以來受到的教誨：「有時候，越簡單的東西，力量越大。」

從學生樂團起步，微醺開根一路走來歷經多年，終於在今年發行首張專輯《火開始的地方》。專輯內容希望營造烤火聚會的感受，大家相互對坐在火爐周邊講述自己的故事，可能有開心、有悲傷，但總是能互相鼓勵陪伴。

就像是專輯中邊走邊唱傳達的概念「一起走，然後用力地走，我們可以走到更遠的地方。」

（文：景富）

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喂～不是啦！是飛哥洛佳飛要出新專輯啦！從阿飛、拉卡飛琅、拉卡巫茂到如今的洛佳飛，飛哥一路走來換過好幾個名字，就像是不同階段的生命歷程。而這一次，經歷多年歷練與沉澱的洛佳飛，帶著充滿強烈生命力的新作《初日》登場了。

節目裡，你會不時聽見飛哥那標誌性的爽朗笑聲，除了表示我們節目真的很有趣之外，也表現了他開朗自在的性格。專輯《初日》，就像是飛哥本人的縮影，能給人真切溫暖的力量，又能用輕鬆有趣的氛圍讓人快樂。

「做音樂本來就要自在一點啦，否則你一直在壓抑的情緒裡面，我就會覺得做音樂好累喔，何必，沒有必要。」你現在已經自在，還是感到壓抑，都聽聽看，或許都會有些新的享受。

（文：景富）

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在自己的工作與生活中，我們是否也劃下了許多不必要的邊界，限制了自身的可能性？楊斯琪心裡一直有聲音告訴自己，音樂會帶她去遠方，而看似難有交集的古典聲樂與爵士樂，就這樣在她身上卻找到新的交會點。即便專輯充滿疑問，卻以溫暖作結，那種心滿意足的圓滿感，如同一份給自己的禮物。

她遊走於聲樂與爵士、學術研究與感性創作之間，從不斷的外部衝突走向內在和解。「我就想這麼多疑問，像為什麼要唱爵士？為什麼要跨界？這些問題我總想從書本裡找答案，可是就是一個聲音，其實就好像告訴我所有的答案的那種感覺。」

如內克總結，楊斯琪的作品極為珍貴之處，在於其「很忠實的反應了你的這個人」，即使創作者本人在回望時，不一定全然喜歡當時的自己，但作品卻誠實地記錄了那個階段的狀態。

「順著生命之流，不要再反抗了。」

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「唯一能夠讓我們自己有變化的，是我們自己。」如同本集節目播出的歌曲〈Plan B〉，她不見得有Plan B，因為他相信自己與自己所認可的人，相信彼此做出的所有選擇，並不希望因為害怕，就對自己的行動有所保留。

就像這次參與的舞台劇《暗靚》，在戲裡面她願意相信團隊與自己，赤裸揭示傷口也沒關係，「他們其實都是當你真的面對，放下了一些事情，接受了自己以後，你才有辦法去讓自己不再被這些事情壓抑。」關於那些來得晚、卻依然燦爛的時刻，背後希望的，也是鼓勵大家勇敢看見、展現出自己最光亮的一面。

2025客家藝展平台-吉那 x Bagel Rimrim 《暗靚》
演出時間：2025/10/17 (五) - 2025/10/19 (日)
僻室 House Peace 0911-224-930

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春麵樂隊這次帶著第二張專輯《下回上去》回歸，以爬山為主軸，一步、一步的帶我們慢慢爬山，從溫暖、涼爽到冷冽，從一草一木一苔蘚到山裡蘊藏的故事，在一首接著一首的歌曲當中領著聽眾們跟隨主唱啊喬的腳步，踏遍一路上的高低起伏。

據說，啊喬在做這張專輯前曾陷入好一段低潮，聊到團員們有沒有感受到這件事，楊妞笑著跟我們說：「本來人生就是起起伏伏嘛！」就跟來到節目的其他三人所說的一樣：那就默默陪著她、累的時候問她要不要吃便當，告訴她在蜿蜒崎嶇的路上，總有團員們彼此相伴。

「當我們提到登山經驗時，很多人就會分享自己在山林之間的體會，儘管在山上，或許還是會發現自己仍掛念著在城市的那些親愛的人跟事物。」

下回上去，像是春麵樂隊他們彼此陪伴時的對稱，亦如同每回啊喬下山後問著楊妞、阿超與高高下回要不要上去的那份問候；上去下回，隨著春麵的腳步踏上這蜿蜒而上的旅程，在山林與都市的印象之中療癒彼此、反省自己。

（文：伯諺）

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從小喜歡唱歌的徐鈺婷（阿徐），一直把音樂當成自己最任性的表達。創作對她來說，如果內心沒有共鳴，她絕對無法勉強自己。也因如此，她曾經付出過孤獨的代價，把自己長時間關在心裡的房間裡打轉，與恐懼的情緒不斷拉扯。

過去的她，內心壓抑，對外則是充滿憤怒，總想著要 fight back。但隨著年紀漸長，三十歲的她也逐漸磨去了稜角，學會把任性轉化成韌性，不再將憤怒作為動力，而是重新找到音樂的意義。

轉折來自一句話。某次她聽到音樂人分享：「音樂創作，你永遠不知道會在什麼時候、與誰的內心產生共鳴。」這看似抽象的一句話，卻擊中了她，讓她意識到創作的其他理由。也讓她從自我繞圈的狀態裡跳了出來，也開始更積極地向外探索。

也因為走出舒適圈有了意料之外的收穫，新 EP 的製作過程，她鼓起勇氣詢問流行金曲製作人凃惠源。當初她只問自己一句：「不問，會後悔嗎？」答案是「會」。於是她跨出這一步，沒想到竟然真的獲得回應與合作。這次並肩創作，不僅給了她全新的刺激，也讓她對未來的音樂有了更多想像。

任性，依舊是她的一部分。但現在的阿徐更認識自己，也讓她有力量將任性轉化為持續前進的動能。

（文：景富）

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這週換個角度，從充滿熱情的年輕音樂人江晟榮出發，看看他如何與師傅陳瑋儒一起，走上屬於自己的客家音樂之路。

其實跟瑋儒一樣，他們都不是一開始就篤定要當個客家歌手。不過都在經歷迷茫或不適應後，回到根源找到了動力，也找到了歸屬感。

「在這個時代你不會自己的母語，其實不會怎麼樣。你用華語都還可以生活。可是很可惜的是，你少了一種看世界的方式。」

語言所提供的不只是交流的工具，更是思想與文化的載體，而「客家音樂」長久流傳下來的那份精神，便是他們兩人最想保留的核心。

所謂「客家心」，可能是對傳統的堅持，也可以是面對新事物的流動。不過對他們兩人來說，是先在保存文化的基礎之下，再做出良好的音樂性，在這個潮流迅速更替的時代，留下客家的記憶。

試著替這個時代建立新的審美概念，唱出新時代的「客家感性」。

（文：景富）

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前輩先。縱然音樂的起點就有金曲入圍好成績，陳瑋儒也曾遇上了人生的大低潮，失去了創作的能量，更一度要放棄繼續在客家音樂路上走下去。

「他的堅持，好像讓我看見了十年前單純做音樂的自己。」堅持的那個人叫做江晟榮，用音樂創作把自己的母語長回來的年輕人。陳瑋儒的初衷被晟榮單純的心，給一點一點喚起，也重新燃起了他對客家音樂的熱情。自己也在教書與傳承之中體會到，不帶任何目的性的前進，盡量的分享與付出，得到的收穫反而比想像的多。

最後也在幫助江晟榮製作專輯的同時，將自己的專輯《我走心》一同完成。走進別人的心，也走回自己的初心。

（文：景富）

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他說，過去他總是依循直覺行動，如今隨著人生經驗累積，開始學會停下腳步反思。在生活中，選擇緩下來去感受，用不同角度理解，這時候任何體驗都成為了自己的導師。在探索自我的同時，他也更能理解他人，更加清楚自己的行動與選擇。

這份體悟凝結成了全新專輯《LET GO》。在他看來，一切都是「緣分」。年少時不懂，直到現在才明白，許多無法解釋的相遇，正是命中註定。而《LET GO》便是屬於他的緣分。

專輯中，他與同理、派偉俊、黃祝賢儒等音樂人合作。他形容創作過程中雖難免有靈感枯竭的時刻，但當靈光閃現時，那份喜悅與激昂，往往比想像更強烈。對他而言，與一群人快樂地做音樂，是他非常大的收穫，未來更想將過程記錄下來與大家分享。

「LET GO」既可以是「放下」，也可以是「放開自我」，這樣的雙重意義，正好總結了小樂現在的狀態。帶著多年累積，他選擇放下不必要的包袱，也以興奮的心情，帶著完整專輯與粉絲見面，宣告所有人，我是歌手，小樂吳思賢。

（文：景富）

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純演奏專輯，專輯與歌曲名稱是少數會出現的文字。聲子蟲說他們在設計時都很用心，名稱必須作為引爆點，讓聽眾一看見就充滿對專輯的想像。

一張談疾病的作品，節目一行人原本笑說希望大家聽不懂，因為要是理解這張專輯的人，肯定也經歷過某種煎熬吧。

不過同一張專輯的歌曲，盧律銘自己放給小孩聽，他卻能夠聽得不亦樂乎。可能是年紀的關係？又或著，像是這樣純演奏的專輯，在多少人的心中，本就會有多少種樣貌存在。

聲子蟲想留下的，就是這樣的自由解讀。他們希望聽眾能隨意解析，也期待聽到大家分享，專輯在自己心裡遺留了什麼樣獨特的連結與回應。

（文：景富）

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柯明說，這張專輯像是一份紀錄，記錄著過去與疾病相關的心路歷程。創作過程中，聲子蟲其實並沒有太多溝通，但或許因為在前段時間都經歷過類似的情境，讓彼此的直覺想像自然地貼合。甚至在安排曲序時，兩人獨立排出的順序，竟然完全相同。盧律銘與柯明，就像導演與編劇般，與團員共同建構出這張專輯。

這次的《遺心病》與上一張《真面目》形成強烈對比。如果說《真面目》還保有登山向上的意象，《遺心病》則轉向壓抑與沉重。這張專輯的重點不是「心」，而是「疑」。編曲裡，樂器彼此的對話與拉扯，就像對疾病的懷疑與掙扎。

聲子蟲清楚，這樣的主題可能不是大眾容易親近的，但他們仍希望透過曲風與創作方式，誠實地闡述自己的主張，也對任何願意聆聽的人心懷感謝。

專輯裡唯一有人聲的作品，是與李瀧合作的〈副作用〉。這段合作過程很有趣，像是一個相互吸引的宇宙，讓彼此找到了對方。其中竟然還意外牽連到鄭宜農與《周處除三害》？而在創作的層次中，李瀧就像是這場療程中的「疫苗」，為專輯注入了聲子蟲原本沒有想過的感受與能量。

（文：景富）

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各位啊！節目第一次有日本來的朋友親臨現場！現場甚至有口譯，沒想到已經提升到國際節目了哈哈哈哈！

這次來訪的是日本福岡音樂祭 BAYFES 主辦人三留拓也、深町健二郎，以及代表台灣參演的新生代歌手 Andr，我們除了一起聊聊福岡這個音樂祭BAYFES，當然也得好好台日交流一下！

從與日本音樂製作人的合作，到面對不同文化觀眾時的舞台態度，Andr 與深町先生分享了他們對「如何讓音樂跨越語言與國籍」的看法，有時不是刻意迎合，而是忠於自己的聲音，才能讓能量真正傳遞出去。而深町先生也表示，福岡是日本的音樂城市，而且福岡人又愛交朋友，想必在這座城市舉辦的音樂祭，一定很有自己獨特的韻味。

所以囉，想更認識福岡這座充滿音樂氣息的城市？想在海邊吹著涼風、聽著最 chill 的現場音樂？節目裡，兩位主辦人也偷偷公開了只有在地人才知道的福岡美食與景點名單，讓 Andr 跟內克聽完忍不住直喊「我現在就想去」，相信你也是！

（文：景富）

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詩沒有旋律，但韻律卻會在閱讀時自然浮現。聽起來，幫詩譜曲似乎應該是件順理成章的事。今天的三個樂團要來告訴你，完全不是那麼一回事。在改編的過程，還有很多你不曉得的「鋩角」（常寫成「眉角」）需要考慮。

「聽見零雨」是目宿媒體全新的詩歌企劃，這次節目邀請了參與合作的三個樂團，來分享他們在這次詩作改編創作中遇到的挑戰與收穫。

詩詞之外就是音樂的天地，而留白就是音樂盡情發揮的所在。首先詩的語言很個人，感受也很細膩。如何在有限的篇幅之下，選擇切入的角度，自然就成為了所有樂團的首要難題。

例如給 OVDS 改編的詩詞「特技家族」竟然長達了九個篇章，讓孝君直言「一開始根本不想面對」。阿尼也說草每救星是在在創作過程才逐漸抓到詩詞的核心。緩緩則是在如何讓段落之間順暢交替下了很多工夫。

雖然都說製作遇到了不少挑戰，但是在成品中，仍然可以看見三個樂團的用心，三個樂團用各自的方式，替詩詞「劃重點」。或許是某句話、某個字打中了他們的心，就這麼成了編曲的元素，成了整首歌曲的核心。

這樣有別以往的創作方式，也讓他們笑說：「這樣就不用寫詞了，省下不少討論時間。」不過正因為詩詞已經先幫你訂下框架，規則越多，玩法就得越刁鑽。可也正是這種在縫隙中長出來的花，才特別堅韌，動人。

（文：景富）

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「我認為有感受就是一件快樂的事，最可怕的是沒有感受。」

「極樂」不是無憂無慮，而是在每個日常的片刻裡，都能真切地感受到孤單、平靜，以及愛。

力齊音樂的起點，始於母親的車上，那時的他喜歡唱歌，卻從未想過要當歌手。周璇、白光、陳淑樺、黃鶯鶯......一位位經典華語女歌手的作品，成了他日後創作的典範，也成了他音樂情感的來源。

「南方」，是因為這張專輯誕生於台南，也是在力齊即將啟程前往遙遠北方英格蘭之前，所留下的一個時空膠囊。他希望無論未來身在何處，只要聽見這些旋律，都能憶起那個一個人在台南街頭，愜意吃著小吃的下午。

（文：景富）

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如同平日的有機、Plutato 三個人，開場直接set好樂器，就這麼在錄音室演奏起來。

但他們也有想回到過去的時候，《Ctrl+Z》在電腦快捷鍵的用法上是還原，但團員們豐富的聲音製作經歷是「回不去的」，於是專輯中能感受到一些躁動的活力，但卻也有著細緻的安排，讓一切不會顯得過於張狂。

就像Plutato 這個名字是結合了Pluto和Potato這兩個看似不相干的事物一樣，充滿對音樂的堅持，帥氣又帶有點中二。例如在創作時，他們可以很隨意，也能夠很執著。有很多的元素，某個聲響、段落，甚至某首歌曲都是意外「玩」出來的；相反的，他們在其中一首歌，光是對聲響大小就能討論許久，直到混音完了，還很抱歉的要求再修改。以上種種說明了他們的隨意，並非對於音樂不講究，而是高超的技術都已深植在他們體內，才能用最隨性的態度碰撞出最優質的作品。

青春的行動，佐以無法掩蓋的從容。如此宇宙遼闊，如此有機馬鈴薯！

（文：景富）

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陳竟飛說他十歲就想當歌手了，並為走上音樂路，做了無數努力。但生命很有意思，他最靠近歌唱的時候，是廣告演員。

但他始終沒有忘記過自己的夢，也是這樣的堅持，跟演員路上的耕耘，讓他獲得了音樂機會，甚至回望時，會發現不經意展現出的真誠，真正地幫助了自己。幾件事情的交織，在即將首張全創作專輯《The Ego》，忠實地記錄著。

在全專輯推出前，阿飛帶著單曲〈憤怒的重量〉與〈美術館〉，從情緒覺察的角度出發，與我們一起展覽一件件人生作品。

（文：景富）

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古樂樂良春手上有很多刺青，其中有一個是塔羅牌中，象徵「帝王」（Emperor）的圖騰。

查了一下，牌面意思與穩定、結構、秩序有關，對照回他的三十歲，從一名鼓手搖身一變成為全方位音樂創作人，還開了家公司，all in，多渴望能掌控一切。

想著或許也是一股強烈的堅持，先帶著他到紐約學習打鼓，又帶著他找到了自己的部落，身體上的、心靈上的都是。紐約的導師啟發了他鼓手的“ride”精神，深深地影響了他的音樂價值。甚至一次紐約一次買咖啡的經驗，都讓他決定回台灣後，探究自己如何與排灣族血統對話與學習。

於是《ATAVISM返祖現象》與大家見面了，充滿古樂樂良春對於原住民文化與自身關係的反思，歌曲製作上也突破了對鼓手創作專輯的想像，展現出了全面掌控度，卻也仍舊保有餘裕。

或許，保持彈性，就是最好的掌控，也說不定！

（文：景富）

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高中畢業的時候，吱吱的爸爸送了她一把吉他。這把吉他陪著她北上，也陪著她走進我們的錄音室。30歲的此刻，回望一路走來，她說她開始學會給自己更多餘裕，勇敢地說不，選擇自己真正想走的方向。

《聲林之王》闖出知名度後，吱吱獲得了嘗試不同領域的機會，然而多采多姿與創作聚焦的拉扯，產生了一些情緒，也擔心自己是不是還朝著當時的夢想前進。而商業作品與藝術自由間，又能如何找到平衡點？

這次我們從起點出發，聊故鄉、聊家人，也聊聊她，如何調適、如何找方向，甚至帶著音樂闖天下。慢慢走，就像吱吱第一首族語創作〈阿公的魚〉歌詞寫的一樣，「adihay ko foting」，這一趟收穫滿滿。

（文：景富）

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人生中有什麼對你來說意義深刻的數字呢？對泰雅族全方位創作人蘇婭姐姐來說，莫過於這次專輯的那個數字——《3 Cyugal》。

這張專輯從夢境開始，與3這個數字緊密相連，對應著天地海、身心靈、三位編曲人，同時也是三代女性的相擁，蘇婭談到自己與媽媽的關係、成為母親的歷程，還有她如何在音樂中尋找自我並連結傳統、家庭、信仰與未來。

蘇婭姐姐時隔三十多年再度創作新專輯，充滿故事性的歌曲更是打破了大家對電子音樂疏離與冷調印象，用那最貼近土地、自然還有女性生命歷程的親和，傳達她所帶來的故事以及力量。

（文：伯諺）

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承接上集的熱烈討論，這次采郁也和內克分享了許多入圍金曲的歌手與創作者們，他們有些經歷了風格強烈的轉變、心態起伏的轉折，有的是在曲中展露對音樂的細膩與野心，更有些在樂壇深耕多年，今年終於首度入圍。

這集除了繼續分享金曲獎入圍的好歌以外，也來私心分享一下兩位心中的那些金曲名單之外的優秀作品，邀請你一起打開耳朵，來聽聽當中的故事吧！

（文：伯諺）

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年度音樂盛事金曲獎自然不能錯過，這次內克邀請音樂自媒體網站「循聲入座」主理人采郁來節目現場聊聊入圍作品，所謂「六角形」的均衡，從何而見？這次的入圍名單中，又有哪些引發熱烈討論，甚至可能被冠上「死亡之組」呢？

（文：伯諺）

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錄音這天是金曲獎入圍名單公布記者會，從開場盯著轉播到結束，團員都沒看到自己的名字在入圍名單裡。

玩團到現在17年，出了三張專輯，他們說這張《巨人》是他們一度寫不出來，卻因著一個阿美族的傳說而重生，並且很用力，很有愛完成的作品。並不是自己成為一個巨人，而是當你面對了一個巨人，試著對抗，經過失敗，最後和解的過程。「就當成一個sign，出現了，一定就是要我們再去做些什麼！」想想，專輯的故事不也在提醒著團員，悲傷後的豁然開朗，或許才是作為偏執狂的最大驕傲嗎？

當年在練團室慶生的小伙子，剛滿三十歲充滿感觸的小伙子，到現在試著團結遇見海洋遼闊的小伙子，什麼改變了，什麼又未曾變過？不算長的訪問，記錄了這難得的複雜情緒線，我得好好留存起來，等著他們下次再來聊天談心。

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《Qrasun格拉孫》這張專輯如其名：讚美，是姑慕·巴紹獻給這個世界的祝福，也是她接收到來自四面八方愛與支持的深情回應。

每一首歌從土地出發，穿越親情、記憶與身體的風景，最終回到心中最柔軟的地方，因為感謝，所以感動。她說，今年金曲獎公布入圍名單時，自己正在上直播的廣播節目，眼淚當下嘩啦嘩啦地流下來，連眼線都哭花了。

姑慕·巴紹用族語細細傾訴情感，搭配猶如天使的和聲、外婆的禱告與大家的祝福，把每一首歌都唱成一個溫暖的擁抱，《Qrasun格拉孫》不只是用來聆聽的專輯，更像是一封緩緩展開的感謝信，是她獻給世界最溫柔、最堅定的回應。

（文：伯諺）

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在離開體系，一切都得自己來時，BRADD坦言自己才真正面對到現實築起的高牆與孤獨，在諸多的壓力與被迫獨立的氣氛之下，他拾起動力、逼出了全新版本的自己，在這場遊戲當中從不停下。

「很多人把自己放在歌的最前面，但我選擇退到最後，讓聽者自己走進音樂的空間。」在BRADD的歌聲中，有人走進雨林、有人見到沙漠綠洲中的玻璃穹頂……他留下了許多空間，透過自己專輯的留白敘事，讓更多人探索屬於自己的旅程。

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他說他的創作進行過很多田調，但似乎也從此理解自己也是賽德克族很重要的一員——無論他到底是什麼成長背景，在人生中的很多角落我們會看著長輩的樣子，接著思考自己是不是要模仿著他的模樣才能越變越好、越變越像眼中的那個他，然而或許走出自己的路，也是一件不會後悔的事。

「你要記得笑，你要記得你做過的夢，不管有沒有實現，都是值得的喔！」德伊木把這段話放在歌裡送給聽眾，也送給所有不知道自己到底來自何方、屬於何方的人。

（文：伯諺）

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專輯做出來的此刻再回望，小碧似乎是在這趟路找到音樂人的勇氣，也才了解有人相信自己是件多幸福的事情。小碧說，他要下個訂單，帶著這張專輯走上金曲紅毯，成為最美的。宇宙肯定會祝福他。

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過往為了維持「It’s Okay」、「我很好」這些標籤，花了多少力氣在逞強，當時甚至都說服了自己。直到現在回想起來，原本覺得「沒事呀！沒事～」的那些時光，其實當時早已殘破不堪，身心都出了狀況。但幸運地是，三十歲時，那個不太相信人性的階段，葉柔遇見了很多天使。

「現在我們會燃起一點一點的光，最後這些光會充滿房間，然後——會有人開門的。」這段感動的話，是製作人聽完葉柔清唱〈荼蘼〉時對她說的話，也送給各位聽眾。從打破曾經的自己，到現在破繭重生的葉柔，在最黑暗的時候，保留著心中朦朧的微光，等待著綻放的一天。

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他有年輕時聽的那些歌曲聲響記憶，有十多年前開始玩團玩音樂，用真實樂器來摸索出的旋律。「我覺得我比較幸運，可以百分之百把心力放在音樂上。」不做自己歌曲的日子，阿蘭在音樂幕後挑戰，那些自己不見得喜歡得曲風，還是要好好感受它、試著駕馭它，跟著浪潮奉陪到底。

那些曾經為了生存而做的輸出，如今都慢慢成了自己的輸入。第一張專輯《Green House》什麼都試試看，有種戰鬥的奮力感。到了第二張《穿著西裝上下工》，幫別人音樂製作的經驗累積更多，卻未見張揚與狂放，反而更清楚心之所向，聚攏成自己的形狀，同時也變得很輕鬆愉快，就像那些下班後的日子，一手啤酒一群朋友，充電後身心舒暢。

「我以前是個很感性的人，但現在慢慢變理性了。」理性讓他知道自己離理想還有一段路，但感性讓他仍然選擇跑著。跑者知道自己離理想還有十萬八千里，但那個用音樂留下痕跡的心思不變，只要還在靠近那個自己喜歡的樣子，就夠了。

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剛滿30歲的孔亞明，這麼說著他的驚喜年份。這一年，他在開始族語創作不久後，就獲得原創流行音樂大獎原住民族語組首獎，也完成了他的第一張專輯《像帽子一樣》。

這張專輯唱的是他的家鄉——卑南族利嘉部落。那塊土地外型像帽子，整體氣質也低調如帽子，靜靜保護著他成長的日常。他選擇讓專輯從一首婦女吟唱的古調開場，不為了展示唱功，而是讓祝福從部落出發，像帽子一樣，為他也為這張專輯遮風蔽雨。

「我其實沒有那麼有自信，也不是不喜歡唱歌，而是覺得會唱歌的人很多，但會好好說故事的人比較少。」於是他讓聲音退到後面，在設計得較為收束的音域裡唱歌，把情緒收進歌詞裡，讓旋律像土地一樣靜靜撐住。編曲以真實樂器為主軸，從 Percussion 到弦樂，穩定而踏實，像一張木質調的香水：聲響是前中味，孔亞明的嗓音，是收尾的後味——細緻又留香。

「我每天起床都會先聽這張專輯的其中一首歌，聽到音樂的時候，就像回到利嘉一樣，有那樣的氣息、那樣的聲音。」他說，還不知道下一張專輯會不會有，但既然這次有機會做作品，就希望能透過它，為部落留下什麼。不是為了表現自己，而是想讓人聽見利嘉部落的聲音。

「不用記得我，只要記得這首歌講的是利嘉部落，這樣我就會很高興。」

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太喜歡柔米，特別找她來聊30歲的改變，結果最後卻變成了美食節目？柔米說她常常會分裂出一些自己來討論，好比說食物好了，以前的她天天認真想著要吃什麼，現在一方面有聲音跟自己說，什麼味道大概都嘗試過，已經夠清楚了，也就懶得想了。另一種聲音則比較嚴厲，嗆自己說「你確定？」，生活應該還是夠新鮮，也該多留些想像的動力吧？

認真想想，其實這也是柔米音樂路的選擇。第一張專輯後，柔米做了一張對她很重要的作品《台北錄音》，「24、25歲做的東西，很年輕，很有活力的階段。」那是一種有很強能動性，也在控制生活與作品的狀態。這個狀態時遇見了錢煒安（Zen），在柔米靠近三十歲時，一起完成了帶著她走往遠方的《鎮妹》，「整個團隊陪我生火，慢慢研究吃我喜歡吃什麼，跟這個食材該怎麼做，最能綻放本來的味道。」柔米說，這是一張很本質的專輯。

本質的專輯、30歲的自處，慢慢創造出了一個空間來，跟聽者的生命經驗有了連結，也有了更多的餘裕，給自己與別人多一些。就像那個粉絲送的移調夾，或是自己買給自己的零錢包，對柔米來說，想著再多給一點，其實反而是一種舒服的「自洽」，甚至讓她接下來準備撿起過去那位年輕無畏，卻也相對脆弱的柔米，在新的時間空間，再多給大家一些什麼好吃的。看來懶得想吃什麼的三十歲，或許是柔米慢慢朝大廚之路邁進的自在，我超期待、超祝福。

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比起爬坡時作品裡感受到的力道與憤怒，這次專輯聽見的是更靠近人聲溫度，帶著低吟的沉思。《雲就要翻過山》放著「人們如雲，命運如風」這樣的命題，還原一首首「聽得見的風景」，也試著在這些歌曲裡理解失去，同時追求平靜，也更珍惜人與人之間的一期一會。

「這是獻給當代都市原住民，某塊小小分類的專輯。」Giyu說，這幾年的創作，除了更走進自己，記錄了從台東到枋寮，那段南迴公路的記憶回望，也試著用大自然的畫面書寫，還原給聽眾更多的空間，同時讓這些自然元素的循環與專輯對話，不張狂，卻也讓人想繼續走下去，理解沿途風景的美。

謝謝Giyu創作出這樣好聽的作品，讓我們有這樣的緣分一期一會，真是幸運。

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但李竺芯真正的童年，其實不是這樣的。從小嚴格的訓練唱歌與表演，她就像個小大人，老師甚至要求她出門就要畫好妝，因為不知道什麼時候會遇到歌迷，什麼時候會站上舞台。

但唱著唱著，她的聲音與身體開始分離，抓不到、也靠近不了那個拼命往遠方跑的自己，「我很常被說唱歌好好聽，但，然後呢？那種很強的抽離感，我很想知道後面是什麼。」就像李竺芯說的，20多年累積的習慣要穿越，才會有新的東西，但真的好難。

她說要這樣玩，聽見那麼多人味，與曾經眼中的瑕疵，她也怕啊。但在花蓮感受到的，身體那股對自由的全然的渴望，強烈到讓她即便帶著害怕，也還是要去做這些歌曲，聊審美、聊自己，聊許多人不想談的秘密。在Baby老師的協助下，李竺芯輕輕卸下過去所帶來的枷鎖，但不丟棄，而是用「開心手」來擁抱，重新建起了一個安全空間，給自己、也給聽眾。

立體而飽滿的作品，笑鬧又厚實的聽感，誠實且美麗的畫面，是靈魂全然的自由。竺芯已經跟上竺芯，你是不是也願意牽起自己，來聽看看這張作品呢？

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《Heal Me Good》是我今年很喜歡的專輯。

Yufu 從過去的迷幻搖滾風格轉向靈魂樂，帶我們回到 1974、1975 年左右的美國靈魂樂氛圍，打造出一張充滿該時代聽感的作品，「我不覺得我在復古，我就是在那個年代，做那個年代的音樂。」讓自己活進那個時代，Yufu說，他要做一批最純的。

當然，過去的養分不會消失，反而讓這張專輯多了一層獨特的味道。Yufu 說，靈魂樂歌手往往圍繞一個主題創作，於是他選擇「藥物」作為專輯的關鍵詞——是不是一聽就覺得很迷幻搖滾？但這次，「藥物」被拿來與「愛」對照，最終渴望的仍然是「療癒」。「那你到底被 Heal 了沒？」我問。他笑了笑，語氣有點曖昧：「還在療程當中吧。」

或許這也是這張專輯最動人的地方。Yufu 說這些年來，音樂路並不總是順遂。在台灣玩靈魂樂，有時候會感到寂寞，創作的過程像是不斷拋擲訊號，卻不確定會不會有人接住。但即便如此，他仍選擇繼續前行，甚至透過海外的音樂社群找到更多志同道合的夥伴，一步步把這張專輯完成。「其實 30 歲前後，有很多次想過 quit。」但身邊有人陪伴、有人鼓勵，還是讓Yufu決定重新開始。

「這是我從小聽著長大的音樂，我也一直覺得，這是人類音樂的巔峰。」既像一帖療癒的藥，也像一種讓人上癮的毒，如此人性的作品，等著你的耳朵服用。Yufu 說，他的 30 歲，就是在這樣的狀態下「靈魂重生」。祝福 Yufu，也祝福這張專輯，能夠 Heal 更多人的靈魂。

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音樂路上，有時候一個人走得快，兩個人卻能走得遠。

「有感覺」曾歷經不同階段——從初代雙人組合，到肥肥獨立創作，再到黃立綺加入，最終成為今天這個推出兩張客語專輯的雙人女子組合。特別的是，兩人都不是客語母語者，卻因熱愛這種語言的發音與音樂性，決定轉戰這條音樂路。確實，客語市場上缺乏這樣的和聲團體與清新風格，有感覺不只是在做自己的音樂，也在填補一塊尚未被開發的版圖。

但這條路並不容易。她們都曾經歷迷惘的時期，年輕時只知道「成功」很重要，卻不確定自己真正想要的是什麼。立綺說，她曾經獨自站在舞台上，卻覺得哪裡不對勁——為什麼努力唱歌，卻沒有其他人那樣的快樂？後來遇見肥肥，兩人在追尋夢想的過程中，一步步刪去不喜歡的事，才終於找到自己真正想做的音樂。

「兩個人加起來，就有了爆發力。」這股力量，讓她們在市場裡闖出一條新的路。從個體變成一體，攜手前行的爆發力讓一切好玩了起來，「我們不想只是一個人，但也很努力學習，讓一個人能完成的事情越來越多。」面對客語創作不僅是挑戰語言，更是一場音樂上的冒險，她們一步步摸索，拿到文化部的補助、參加比賽得獎，也創作出一首首讓人耳目一新的歌曲，每一步都在累積自信，終於更確定了屬於「有感覺」的聲音。

三十而立，不一定是孤單一人站著。有人陪伴，一起「有感覺」，想來也真是很好的感覺。

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楊肅浩說他還蠻喜歡自己的30歲。都說三十而立，好像也是在檢視一路走來經歷的那些，是不是更能成熟的面對了呢？

在30歲誕生這張《像咱這款人》，肅浩說自己明顯自信很多，除了不斷學習累積的音樂製作能力，我覺得他對議題的掌握力道也變強了，無論發散與收攏，都有穩定的定錨力與敘事畫面，新舊碰撞與編曲思考也都更深更有創意。而歌曲內聊到的哲學觀，則成為這個階段的定義，好比我特別喜歡男性在這張專輯的重量，「第一張專輯寫了媽媽、阿媽，這張我更想聚焦在男人身上。」自己的30歲長成了什麼樣的男人，又看見了什麼樣的男性，無論歷史經歷過的痕跡、當代與女性的互動、世代間的心聲或衝突，或是內心最深層的較勁與傷痕，肅浩在理性理解與感性揭露的回望過程，誕生了更多向前走的能力。

「希望這個年代，除了保有語言的特殊性，更重要的是題材，這個題材用這個語言，大家聽得懂的。」比起語言的界定，肅浩更在乎文本，這些命題與命題背後的意識為何，樂器與歌曲如何選擇與組合，即便是多位製作人共創專輯，也得核心踩得穩，讓聆聽感更完整。當問及會不會擔心文本太厚，他反而認為，當大家都在尋找濃縮答案時，也需要有人願意提供思考的空間，「不能只看流行音樂市場現在是什麼，而是理解我們擁有什麼可能會是未來需要的。」

未來需要什麼？我們也都在摸索中找答案。就像專輯裡的每首歌，就只是走到這個年紀的一個切面，有幽默的、控訴的、掙扎的，也有和解的，楊肅浩曾經走過的路、身為老師觀察到的現象，被這樣記錄了下來，慢慢拼湊出輪廓，是種面對，是種成長，當然也是種療癒。我們到底是怎樣的人？答案也許反覆在變，但誠實連結、反省過去的自己，才有和解的可能。而後呢？「跟愛人開心過好每一天，平安快樂。」深深祝福肅浩。

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柯智棠形容自己的30歲「蠻莫名其妙的」。

「就好像寫完了。」他發完了兩張華語專輯，感覺話已經全都說完，不太知道到底還要再寫什麼歌、再多說什麼。而疫情一來，本來想出國打工度假換靈感的點子也沒了，「也不是沒想過，要不然就不要再做音樂了。」講出這句話的時候，柯智棠語氣沒有太多糾結與情緒。

他那陣子幾乎消失在大家面前，只去了一趟陳建騏的專場演出。說來也奇怪，那台放在後台的鋼琴，好像有個召喚力，吸引他彈了幾個音符，結果創作的開關就被悄悄打開了，「我很久沒有彈鋼琴了，家裡的電鋼琴早就壞掉了，放在角落積灰塵。」他回憶道，「但那一天，我突然很想彈，然後開始彈了之後，又想繼續彈下去。」

就這樣，柯智棠又開始寫歌，於是我們又聽見了他，不再煩惱語言，走出門，才真正回到心裡的家，不再困惑。就像你以為Nova是「新星」，其實早已存在，只是機會一到，亮度才強到讓你看見。星體累積到極限的瞬間釋放，就像這樣的創作之路：吸收、積累、卡住、然後某一天，突然找到出口。

「我沒有什麼特別想許的願望，只希望自己能繼續自在地活著，繼續做想做的事。」細膩的歌詞、溫暖的嗓音接住了那麼多人，但經過訪問，我發現倒也不用擔心柯智棠的生活會失去重心，或遇見創作心魔。因為就像節目最後播放的〈Barely Intended〉，他不會逼迫自己一定要達到什麼，也不會執著於自己「應該」做些什麼，就像一顆等待時機的Nova，他不強求爆發的時刻，當能量累積足夠，自然就會被世界看見。祝福柯智棠，在這條路上，一直這樣自在快樂。

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「做音樂怎麼這麼掙扎啊？好像沒有人會接納我？」從鍾綺開始玩音樂，她腦海裡這樣自責的聲音就沒有斷過。

13歲那年，鍾綺說想要像Jason Marz一樣彈彈唱唱，於是爸爸送了她一把吉他，但創作歌手的路並不是這樣定型的。曾經唱片公司不知道怎麼打造她，曾經她沒想過要唱台語歌，但一路累積成為了自己現在的模樣，唱腔獨特、創作充滿畫面，「真的會很多人覺得我是故意要這樣標新立異，但我內心知道那是我自然的樣子，那是我這幾年來的摸索。」

但知道不代表不怕，或是全然的接受。成長階段經歷霸凌，養成鍾綺下意識覺得大家無法接受，所以做出了繭，保護自己也展示給別人看。身為一位唱著比較獨特台語歌曲的女性創作人，許多標籤被貼在自己身上，有稱讚卻也有很多異議聲音，「不遵守規矩」像是緊箍咒，束縛著自己。

但我認為鍾綺是那種可以消化眼淚，並燃燒成為艷火的人。第一張專輯《空喙是...》將霸凌經驗寫成歌，是一種清創過程。這張專輯《卅》將破繭而出的自己，消化與觀察成多元可能，有持續對台語創作的理想、有討論第三者、安樂死與離去議題的作品，也加入了許多旋律咬耳的台語情歌，「不照規矩走」其實是帶著「Hope」，鍾綺說，他希望有一天，真的能夠把台語歌推廣到全世界。

聽鍾綺用《卅》聊三十，你會發現那樣的脆弱與堅強確實共存。脆弱讓心一次次破碎，再用音樂堅強地一次次縫補，樂觀的天性、消化的能力，讓乘載的情緒成為創作能量，歌曲既凝聚也有破壞力，陪伴了有類似心情的人。祝福鍾綺的願望能夠成真，也希望我們都能記得，你就是平行宇宙中，最獨特的自己。

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如果庸俗救星是一個人，那應該會是28歲吧。團員們一致認為，這個樂團的狀態，剛好就像是站在30歲門口的年輕人，還沒完全長成想像中的大人，卻已經開始學著承擔，學著接受一些犧牲。

吉他手阿雷在自己30歲那年，解散了「三十萬年老虎鉗」。但不久後，他又被同團的晧宇找來，一起開啟了庸俗救星。樂團的日子總是帶點未知與不確定，晧宇說，那時候自己時常失眠，總是在患得患失之間掙扎。「玩樂團的人，看起來總是比較年輕，卻也同時在同儕的比較中，覺得自己是不是少了點什麼。」沒有穩定的收入，沒有確定的未來，但他安慰自己：「我要做酷的事情，用酷的方式養活自己。」只是，這樣的路能走多久？能闖出什麼？這些問題，仍然藏在心裡。

「我沒有成為小時候想像中的大人，但我成為了一個更酷的人。」主唱家耘笑著說。小時候覺得三十歲很遙遠，是媽媽的年紀，應該有條理、有規劃、有標準答案。但現在回頭看，雖然沒有長成小時候以為的大人，卻成為一個更自在的自己。庸俗救星的年紀層次不同，不像台灣許多樂團是一群二十出頭、初生之犢的夥伴組成的。但他們之間的年齡與經歷差距，反而讓彼此的角色更加明確，也更能互相補足。

在這條樂團的路上，團員把樂團放在生命順序相對前面的位置，加上他們與粉絲「救星督察」深刻情感，我想即便如節目所說，哪怕樂團多少都是「期間限定」，但他們勢必還會再「限定」很長一段時間，持續如同他們的創作一樣閃亮，充滿光線與陪伴。

節目最後，我請他們對宇宙下訂單。阿雷希望新專輯順利發行，晧宇說要靠樂團賺大錢，家耘希望能去海外演出，而允祈則笑著說：「我希望大家都能長高！」

好的，祝你們訂單都實現，然後越長越高唷。

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「可能這就是我的結局吧。」

30歲生日那天，片山涼太發了第一張個人專輯《RYOTA 片山凉太》，完成了20多歲時覺得不可能的事。這張專輯像是一張名片，向世界介紹自己，曲風多變，什麼都想嘗試，也希望能被更多人看見。他笑說：「當時有點貪心，但那個野心是對的。」

不過，這份野心很快被現實澆熄。發片後不久，疫情爆發，世界停擺。沒有現場表演，沒有觀眾回饋，收入不穩定，讓他對未來產生極大的不確定性。想過放棄，覺得結局就是這樣，出一張專輯，然後離開音樂圈。直到王禮霖導演找上門，RYOTA遇上了《富都青年》，改寫了一切。

「電影人愛電影的程度，可能比音樂人愛音樂還深。」這種熱愛感染了他，讓他重新審視自己的創作動機。參與《富都青年》的過程，讓他第一次進入電影製作的世界，不只是配樂，而是走進拍攝現場，與導演、美術、攝影、剪輯等部門的人深度合作，讓他更感受到電影人的愛，也遇見自己的歸屬感，「我不可以辜負這麼愛電影的人。」

在訪談中，我感受到片山涼太是一個很在乎外界目光的人。他過去努力尋求認同，但這次創作讓他開始轉向內在，思考自己真正想要的是什麼。「完成這張專輯後，整個人變得輕鬆也開心了。」《What am I to you?》將那些曾經藏在心裡、避而不談的情緒說出口，他開始與自己對話，學習與自己相處，不再像過去那樣嚴厲地責備自己，更多的是為了自己而創作，知道歸屬感的存在，也了解原來不是自己以為的那樣，只有自己一個人。

這一次，他不再急著證明什麼，而是選擇誠實地記錄自己的感受。過去的他總是害怕犯錯，害怕沒有做到最好，現在則明白，創作並不是為了達成某種標準，而是讓自己誠實地存在。「如果作品能夠被理解，那是幸運的；如果沒有人聽見，也沒關係，至少我自己聽見了。」

看來音樂路結局尚未到來，反倒一路以來，越來越值得期待。

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《宇宙軒嘩道》的首播，邀請王彙筑，帶著她的全新臺語專輯《滴滴答答》，與我們聊聊「30歲」這個關鍵的生命節點。

30歲以前，她總覺得自己是家人眼中那個被照顧的小孩，爸媽強壯、世界穩定，人生像是自動運轉的時鐘，一切順理成章地推進。但30歲以後，她發現時間不會為任何人停留，父母開始變老，她需要開始為自己負責，甚至在某些時候，成為比家人更勇敢的那個人。《滴滴答答》這張專輯，正是在這段矛盾過程中，她試圖找到自己步調的紀錄——在時間的滴答聲裡，她試著聆聽自己。

「我所有的創作和文字，都是矛盾與衝突的，因為我就是這樣的人。」這句話幾乎成了彙筑的核心思考。《滴滴答答》裡的每一首歌，都是她在理性與感性之間拉扯的痕跡。她坦言，自己創作時總是很理性，習慣分析、習慣思考，「靈感要從哪裡來？這首歌結構夠完整嗎？專輯完成後，下一張該怎麼辦？」這種不停內耗的思維，讓她陷入一種矛盾——她害怕創作力消失，卻又不自覺地用理性去拆解感性。

但有趣的是，這種「理性的焦慮」並沒有讓她的作品失去情感，反而成為她獨特的表達方式。她沒有放棄感受，而是學會用更深層的方式去理解它。像是在《滴滴答答》中，她幾乎沒有直白地說「我愛你」，但愛的影子卻藏在所有細節裡——在她對親情的思念、對過去的回望、對身邊人的反覆試探與疏離之間。她說，她對愛的想像是帶著距離的，她不是直球告白的人，所以她的歌，總在迂迴中描繪更真實的情感。

「肩膀的重量還在，但我現在知道怎麼讓它變得輕一點。」或許，成長並不是突然就懂了什麼，而是學會與矛盾共存，可以一邊害怕，一邊前進。成長也不是擺脫「被照顧」的身份，而是學會如何照顧自己，也學會接受愛與支持。在她的音樂裡，我聽見了這種過程——從害怕到坦然，從焦慮到接受，從抗拒到擁抱。

無論你的肩膀上承載著什麼，希望你也能找到自己的方式，輕輕地飛。

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